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UN, DOS, TRES, CUARENTA... RESPONDA OTRA VEZ

El pasado 24 de abril se cumplieron 40 años del estreno de "Un, dos, tres... responda otra vez". Para mi quizás haya sido de los mejores concursos que han existido en la historia de la televisión, y al menos a un servidor le mantuvo enganchado frente al televisor semana tras semana (excepto la ultima temporada que la presento Larrodera). Recuerdo como mis padres se marchaban a cenar a algún restaurante y antes de marcharse tanto a mi hermano como a mi nos mentían en la cama para que nos durmiéramos, y según se marchaban, Elena que era la mujer que cuidaba de nosotros y vivía en nuestra propia casa nos levantaba de la cama a escondidas para ver este maravilloso concurso, era nuestro secreto, un pacto que hicimos mi hermano y yo con ella, asi pasaron los años y aún a día de hoy mis padres desconocen este episodio de mi vida.

Lo mas triste es que TVE no ha tenido la decencia ni la vergüenza de hacer un especial de aniversario, cualquier canal de televisión que se precie hubiese hecho un especial con refritos, lo hubiesen anunciado a bombo y platillo, pero no, TVE fueron tan cutres que o bien se les olvidó (cosa que dudo) o bien no supieron homenajear el talento de Ibañez Serrador. Esto solo puede significar una cosa, que cada día estoy mas convencido que la televisión actual es una verdadera mierda, y lo digo así de claro, es una mierda.

En 1972, año en el que se estreno "Un, dos, tres... responda otra vez" en la televisión española solo existían tres formatos de concursos, los de preguntas y respuestas, los de pruebas y habilidades físicas, y los de carácter psicológico. Recordemos que aquí en España solo existían dos canales de televisión, la 1 y la 2. El genio de Chicho Ibañez Serrador hizo algo que hasta la fecha a nadie se le había ocurrido, y fue mezclar esos tres formatos en uno solo. Pero en realidad el formato de "Un, dos, tres... responda otra vez" no era original de Chicho, sino que en realidad era una adaptación del programa "Un, dos.. Nescafé" emitido en la televisión argentina y del cual Chicho había sido realizador. Aunque el formato de "Un, dos, tres... responda otra vez" no era del todo original si que lo fue por ejemplo el incluir una eliminatoria al final del programa, incluir unos gags de humor a cargo de distintos humoristas e incluir una parte negativa y una parte positiva al programa, la parte de negativa la representaban unos personajes que evitaban a toda costa que los concursantes ganases importantes sumas de dinero y se alegraban cuando estos perdían las distintas pruebas del concurso. La parte positiva eran representadas por las bellas azafatas del concurso.

En 2004 fue su ultima temporada, presentada por Luis Larrodera, y aunque Larrodera hizo todo el esfuerzo posible para sacar el concurso adelante, no tuvo el éxito esperado. Quizás para entonces la televisión habia cambiado tanto que ya un concurso así no nos sorprendió ni nos mantuvo tan enganchados a la pantalla de la televisión como antaño.

Como dato curioso os diré que el grupo musical infantil Enrique y Ana anunció su separación en este programa en el programa especial de navidad de 1983. Aquí os dejo el vídeo donde nos decían adios.

"LOS IDUS DE MARZO": INDIGNAOS

Al ciudadano desencantado que deambula por las calles actualmente le gusta poder echar mano de argumentos que ayuden a explicar su malestar hacia el estado de las cosas. La sociedad se encuentra en un círculo de crispación y escepticismo cada vez mayor, y todos parecemos estar de acuerdo en que el mundo en el que vivimos no es el más propicio ni el más justo.

   El reflejo de cada sociedad, aunque nos duela reconocerlo, es el que proyecta la clase política de turno que, como toda organización regida por la mano del hombre, acaba viendo su esencia corrompida. Los intereses particulares de esta elite democráticamente elegida se imponen en su asumida potestad de actuar según le convenga como grupo de elegidos, por encima de quienes les han aupado al poder.

   ¿Puede haber algo más opaco, controvertido y desengañado que una legislatura de cuatro años? Sí, la campaña electoral que concluye con la victoria del partido futuro gobernante. Cuando las espadas están en alto, las partes implicadas establecen sus propias reglas del juego dejando a la moral y la legalidad muy mal paradas.

   Esta idea es la base que impulsó a George Clooney, cineasta comprometido como pocos para con su deber cívico, a adaptar la obra Farragut North, de Beau Willimon. El director descubrió este texto hace unos años, pero la coincidencia de las elecciones americanas de 2008 (en las que venció Barack Obama) le movió a esperar un tiempo prudencial para llevarlo a la gran pantalla. Ese momento llegó el año pasado, y el público ha podido disfrutar ya, y estremecerse al mismo tiempo, con este inquietante canto a los entresijos del poder.

   Los idus de marzo nos presenta a un joven idealista (Ryan Gosling) que empieza a trabajar como director de comunicación en la campaña de un prometedor candidato (el propio Clooney) que se presenta a las elecciones primarias del Partido Demócrata en el estado de Ohio, el cual suele ser clave a la hora de dilucidar al candidato definitivo en la lucha por la Casa Blanca.

   Durante la campaña, el personaje de Gosling irá conociendo a todos los participantes en ese juego por la supremacía proporcionalmente unido a la degradación del contrincante. Su involucración tendrá un carácter irremisible, y sus valores e ideas primitivas sobre la intachable imagen de la política se verán totalmente comprometidos.

   En su cuarto filme como actor-director (tras debutar en 2002 con Confesiones de una mente peligrosa), George Clooney retoma los temas graves, de trasfondo crítico y de denuncia social apuntados en Buenas noches, y buena suerte, aunque esta vez ambienta la historia en nuestros días para constatar que el juego sucio del poder no ha desaparecido en pleno siglo XXI ni tiene visos de extinción.

   La película habla de lo que hay detrás de la democracia, de un sistema dirigido y ejecutado por personas sin escrúpulos y del estercolero en el que se manejan. Moviéndose en su segundo plano durante el metraje, el aspirante demócrata es la viva imagen del político idealizado, de sonrisa permanente y principios insobornables ante la opinión pública. Él es la cara visible de un partido que trabaja en la sombra con la avidez de atraer los votos del electorado, el cual queda reducido a una masa manipulada e influenciable.

   Esta historia evidencia que nadie que participe de forma interesada en este juego está libre de pecado. La certeza de que hasta el más incorruptible tiene sus secretos y que los tentáculos de la codicia, la fama y el ansia de poder pueden alcanzar a cualquier ciudadano, volteando sus ideales, queda ejemplarmente expuesta en el filme y resulta abrumadora.

   Los idus de marzo pertenece a ese tipo de cine comprometido propio de los años 70, filmes ajustados a la realidad del momento, crónicas cuasi periodísticas de las corruptelas de los poderosos y que se limitan a ofrecer los hechos sin aventurar respuestas. Seguramente porque no hay nadie capaz de apuntar soluciones o alternativas a un sistema que se nos ha impuesto como ideal, en el que la toma de decisión del ciudadano cuenta mucho menos de lo que desearíamos.

   La puesta en escena de una historia con este trasfondo resulta compleja y muy delicada, por lo que hay que alabar la audacia de Clooney para desarrollar este proyecto cuya financiación ha sido muy difícil de encontrar. Su intención es mandar un mensaje al espectador, haciendo que reflexione y tome parte de lo que se le cuenta. Y a fe que lo consigue, pues la trama resulta en todo momento interesante y la mayoría de personajes muy sólidos.

   El nominado al Oscar por Los descendientes demuestra inteligencia en la confección del reparto y se rodea de grandes nombres. Ryan Gosling, que desde Drive se empeña en hacer de la economía de gestos su bandera interpretativa, construye una performance muy acertada en su rol de conductor de la narración. Y en el papel de los directores de campaña en ambos bandos demócratas encontramos a dos intérpretes de lujo como son Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti.

   Cabe achacarle al director que haga uso de algunos lugares comunes, principalmente el que desata la trama y origina las dudas del personaje protagonista. Además, ciertos personajes secundarios quedan desdibujados, algo que ya sucedía en Buenas noches, y buena suerte. En este caso ocurre con el apartado femenino, donde tanto Evan Rachel Wood (la becaria en la campaña de Clooney) como Marisa Tomei (en su rol de periodista) tienen poco peso y pedían más detenimiento en su desarrollo de guión.

   El nombre de George Clooney ha adquirido en los últimos años, por derecho propio, la marca distintiva del mejor cine americano gracias a proyectos que no buscan sólo entretener, sino transmitir la amargura del presente a la audiencia en busca de una movilización, de una respuesta emocional. Como él mismo ha reconocido recientemente, su deseo es ir dejando la interpretación en pos de la dirección, pues “resulta mucho más estimulante ser el pintor que la pintura”, afirma.

   Su figura me recuerda cada vez más a la del Clint Eastwood. Intérpretes solventes que debutan tras la cámara (curiosamente, ambos con 41 años) y que adoptan un estilo fílmico puramente clásico, de narraciones lineales y con trasfondo amargo.

   Habrá que seguir pues muy atentos a todo lo que Clooney nos pueda ofrecer. Por el momento, su huella como cineasta se consolida y campea por Hollywood incorruptiblemente.

40 AÑOS DE CABARET... MONEY, MONEY, MONEY!!!

Se cumplen 40 años del estreno de la película Cabaret. He de decir que a mi este musical cuando lo vi hace muchos años en el teatro me impresionó, y la película no me defraudo en absoluto. Estamos ante mi musical favorito y detras quedan otros musicales tambien maravillosos como El violinista sobre el tejado, o West side story.

La versión cinematográfica del musical Cabaret fue dirigida por Bob Fosse, y protagonizada por Liza Minelli, Michael York y Joel Grey. La película estaba basada en la obra musical llevada sobre las tablas de Brodway con el mismo nombre, Cabaret, y esta a su vez estaba basada en la novela de Christopher Isherwood titulada Adiós a Berlín.

Para quienes no lo sepan, la actriz protagonista de Cabaret, Liza Minelli, es hija del director de cine Vicente Minelli y de la actriz y cantante Judy Garland (Oh Judy Garland, una de mis actrices favoritas, figura del glamour e inocencia que acabo siendo un juguete roto victima de sus fantasmas), que todos recordaremos por su papel de Dorothy en la fantástica película de El mago de Oz, de la cual ya hablamos el pasado 22 de Noviembre de 2011, y que prometí un segundo articulo sobre la película que aún no he escrito (http://eldiafragmainvisible.blogspot.com.es/2011/11/el-mago-de-oz-parte-i-la-pelicula.html).

La película Cabaret se estrenó quizás en el que muchos dirían que era el peor momento, cuando los musicales estaban ya en horas bajas, y milagrosamente gracias a esta película los musicales volvieron a ponerse de moda.

Liza Minelli dio vida a Sally Bowles, una bailarina de un cabaret del Berlín de los años 30, y aunque en un principio este papel lo iba a interpretar Julie Andrews (que todos recordamos por su papel de Mary Poppins), pero esta rechazó finalmente interpretar el papel ya que ella era la estrella infantil mas grande de ese momento. Como dato curioso y que quizás muchos desconozcais, la propia Liza Minelli junto a su padre diseñaron el peinado y el maquillaje del personaje de Sally. Otro dato curioso es que Bob Fosse, director de la película, al ser a su vez un afamado coreógrafo, diseñó el mismo todos los bailes de la película.

Joel Grey ya había hecho el papel de Maestro de ceremonias en la versión teatral de Brodway, y por esa misma razón los productores de la película vieron en él el actor perfecto para la versión cinematográfica, asi que se lo impusieron al director Bob Fosse, diciéndole incluso "Si prescindes de Grey, nos veremos obligados a prescindir de ti". Obviamente Fosse accedió a que Grey interpretase el papel de Maestro de ceremonias.

Para terminar, comentaré que estuvo nominada a 10 Oscars, y que ganó 8 de ellos, cosa que sorprendió bastante porque la favorita era El Padrino (del cual también hablé en su momento, el 28 de Marzo de 2012, http://eldiafragmainvisible.blogspot.com.es/2012/03/40-anos-los-pies-de-vito-corleone-parte.html). Cabaret no se llevo el Oscar a la mejor película, que finalmente se lo llevo El padrino de Francis Ford Coppola, pero si se llevo los Oscars a mejor dirección, mejor actriz principal, mejor actor de reparto, mejor fotografía, mejor banda sonora, mejor montaje, mejor dirección artística y mejor sonido.

EL INSUMERGIBLE TITANIC

Oh el Titanic, cuanto sigue dando que hablar 100 años despues de su hundimiento. Para algunos esta fiebre del Titanic es solo una moda que en cuanto dejen de nombrarlo a todas horas en la televisión se olvidaran de ello, pero para otros, y he de confesar que yo me incluyo dentro del grupo de esos otros, el Titanic siempre le impresionó y atrapó muchos años antes de que se rodase la famosa película de James Cameron. El Titanic siempre ha tenido algo misterioso que a muchos de nosotros nos ha enganchado.

La noche del pasado Sabado al Domingo se cumplieron 100 años de su hundimiento, y coincidiendo con esta fecha, la famosa película de James Cameron estrenada ya en 1997 se ha reestrenado pero esta vez en 3D. Y sin hablar demasiado sobre el 3D, que en mi opinión es la gran cagada del cine (hablemos claro, no vamos a adornar las palabras para que no suenen mal, es una autentica cagada, pero sobre el 3D ya dedicare otro articulo), he de decir que la versión en 3D de Titanic es una basura. Apenas se llega a conseguir un autentico efecto de profundidad, demasiada publicidad para tan poca película, me sigo quedando con la versión 2D del año 1997.

Hoy os voy a contar unas cuantas curiosidades de la película de 1997 que a su vez también es la del 2012.

Cuando a Kate Winslet le dieron el papel de Rose, esta emocionada llamo a su amiga Emma Thompson y esta hizo prometer a Kate Winslet que no adelgazaria ni un solo gramo antes del rodaje, ya que si la habian elegido así por su físico así la querrían.

Kate Winslet insistió en que su compañero de reparto fuese Leonardo DiCaprio, ya que se había quedado impresionada de la interpretación de este en Romeo y Julieta.

La familia del primer oficial Murdoch demandó a la productora, ya que no existen datos suficientes que confirmen que Murdoch se suicidó en el barco tal y como aparece en la película de Cameron, finalmente la productora tuvo que indemnizar económicamente a la familia de este.

Las alfombras que aparecen en la película fueron hechas por la misma empresa que hizo la alfombras originales del Titanic, y el barco que aparece en la película también fue construido por la empresa original que construyó el Titanic.

En un principio el papel del capitan Smith lo iba interpretar Robert De Niro pero finalmente tuvo que rechazarlo por padecer una infección intestinal.

Toda la película se rodó con espejos para ahorrar dinero, y por ejemplo donde se ven cuatro escaleras en realidad solo había dos. Los carteles estaban impresos al revés para que así con los espejos apareciesen impresos de la forma correcta.

En un momento de la película Rose y Jack dan un paseo por la cubierta de primera clase, en ella hay un niño jugando con su padre a la peonza, esta imagen es exacta a una fotografía tomada en el Titanic y que aún se conserva.

Las secuencias de agua fueron rodadas en Rosarito, Baja California, Mexico.

Al final de la película, cuando Rose regresa al barco y Jack está esperandola en las escaleras, el reloj que aparece marca la hora exacta en la que se hundió el Titanic.

Durante el rodaje, James Cameron rompió con su pareja ya que este se lió con la actriz que hacia el papel de la nieta de la anciana Rose.

Otro dato curioso es que James Cameron se inyectaba una especie de anticongelante en las piernas para aguantar tantas horas de rodaje en el agua.

En el hundimiento, el hombre que cae del barco y rebota en un aspa de la hélice en realidad era un rollo de papel higiénico.

Los dibujos que hace Jack en realidad los hizo el propio James Cameron, y cuando aparecen unicamente las manos de Jack dibujando, en realidad no eran las manos de Leonardo Di Caprio sino las manos del propio Cameron.

La película tuvo muchisimos problemas de rodaje, tanto es así que hasta la misma mañana del estreno de la película aun esta se estaba montando.

En la película podemos ver como de las cuatro chimeneas sale humo cuando en el Titanic original solo funcionaban 3 de las 4, ya que la cuarta era destinada a la ventilación de la cocina y otras estancias del barco. En realidad no hay fallo alguna en la película ya que en realidad no sale humo de la cuarta chimenea, pero parece que si por el angulo de la cámara y el viento. Si nos fijamos bien en una vista aerea que se ve en un momento dado de la película, la cuarta chimenea es diferente a las otras tres, y mientras en la cuarta chimenea salía un humo blanco en las otras tres salía humo negro.

El equipo entero de rodaje se intoxico al comer una sopa en mal estado al principio del rodaje de la película.

La temperatura del agua en todo momento fue de 10 ºC y no pudo calentarse para que no se viese salir vapor.

La secuencia en la que Rose escupe a Carl a la cara necesito de 11 tomas.

Como anécdota final diré que la persona que aparece en la película quitándose los piojos de la barba en el muelle del puerto de Southamton es en realidad el propio James Cameron

70 AÑOS SIN QUE SAM DEJE DE TOCARLA

Aunque el titulo de este articulo pudiese parecer que vamos a hablar de algo pornográfico, no es así, hoy hablaremos de Casablanca, y es que se cumplen 70 años desde que se estrenó en Nueva York el 26 de Noviembre de 1942. Fue dirigida por Michael Curtiz y tuvo en los papeles protagonistas a Humphrey Bogart e Ingrid Bergman.

Casablanca esta considerada como la segunda mejor película de la historia cinematográfica americana y esta ambientada en la ciudad marroquí de Casablanca durante el gobierno de Vichy.

Como viene a ser costumbre, os contaré unos cuantos detalles curiosos de la película

Para empezar lo que muchos no sepan es que Casablanca nunca fue rodada en Casablanca, sino que fue rodada íntegramente en tierras norteamericanas, en Arizona y Los Angeles principalmente.

Casablanca fue nominada a 8 premios Oscars, consiguiendo finalmente 3.

Posiblemente uno de los detalles mas curiosos de la película es que no había un guión como tal el día que se empezó a rodar, sino que Curtiz iba escribiendo el guión día tras día en el set de rodaje a la vez que se iba rodando, de esta manera los propios actores no supieron cual iba a ser el final hasta pocas horas antes de rodarlo, ni siquiera la propia Bergman sabía como terminaria la película mientras estaba rodando la secuencia final de esta. Bueno todos los propios actores no conocieron el final hasta que llegó el momento excepto uno, el propio Bogart, ya que su contrato de gran estrella le daba el derecho a aprobar el guión.

Casablanca se rodó con la intención de ser simplemente una película bélica que promoviese el patriotismo estadounidense en plena Segunda Guerra Mundial, pero acabó convirtiéndose es una de las mejores películas románticas de la historia del cine.

La frase mas famosa de la película es la de "Tocala otra vez, Sam", pero quizás muchos no sepáis que en realidad dicha frase nunca, jamas fue dicha en la película, en realidad el personaje de Rick, interpretado por Bogart, solo dice  "Play it Sam", o lo que es lo mismo, "Tocala Sam", posiblemente el haber añadido "otra vez" a la frase sea por culpa del maravilloso Woody Allen, ya que este cuenta entre sus películas una con el titulo "Play it again, Sam" ("Tocala otra vez, Sam"), y de ahí posiblemente la confusión.

Para el rodaje de la secuencia final, la del avión, se usaron enanos para que pareciera que los personajes estaban lejos.

En la versión original, el capitan Renault dice a Rick que luchó contra los nacionales en la Guerra Civil Española, pero esto a Francisco Franco no le gusto en esceso, y mando censurarla, así que en la versión española el capitan Renault dice que luchó contra el Auchles Austriaco.

Un detalle cuanto menos curioso, es cuando vemos que Bergman pregunta a Bogart si participó en las Brigadas Internacionales de la Guerra Civil Española. Bogart contesta moviendo la cabeza de forma afirmativa, pero en la versión doblada al español, a la vez que Bogart hace el gesto afirmativo podemos escuchar como respuesta un "no".

Otra curiosidad es que Bogart media 1,60 y Bergman 1,80, y por cuestiones machistas de la época, el hecho de que el hombre fuese mas bajo que la mujer era impensable, así que siempre que había que rodar una secuencia en la que apareciesen Bergman y Bogart juntos, a Bogart se le colocaba una plataforma de palmo y medio de altura bajo sus pies.

El 3 de Agosto de 1942 fue oficialmente el ultimo día de rodaje de la película, pero tras terminar el rodaje  de esta, a un productor de la Warner se le ocurrió la idea de añadirle una frase más que originalmente no se había rodado, la famosa frase "Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship", que en la version doblada al español fue "Creo que esto puede ser el princpio de una gran amistad", a Curtiz no le gustaba la idea de introducirla, principalmente porque el rodaje de la película ya había terminado, pero dicho productor obligó a Curtiz a incluir dicha frase, asi que el 21 de Agosto de 1942, es decir, 19 días después de terminar el rodaje, Bogart es llamado para rodar la dichosa y posteriormente famosa frase.

La famosa canción "As time goes by" que aparece en la película, en realidad no fue compuesta para esta, sino que era una canción ya compuesta 10 años antes del rodaje de Casablanca.

Para terminar diré que la película cuenta con numerosos fallos de raccord, como por ejemplo cuando Rick abandona París en tren, donde tiene la gabardina empapada por la lluvia y según pone el pie en el tren la gabardina esta completamente seca. Michael Curtiz era consciente de todos estos fallos, pero decía "lo hago ir tan rapido que nadie se da cuenta".

40 AÑOS A LOS PIES DE VITO CORLEONE, PARTE I

Hacía tiempo que tenía ganas de hablar de esta fantástica trilogía, que en mi humilde opinión es la mejor trilogía que se ha hecho en el cine. Estamos de aniversario, El Padrino cumple 40 años desde que en 1972 se estrenase en los cines. Si aun no has visto cualquiera de las tres películas que forman parte de esta trilogía te recomiendo que las veas, si eres de las que ya las ha visto, te explicaré unos cuantos detalles curiosos.

La película fue rodada por un joven Coppola en tan solo 62 días, fue el plazo que le dió Paramount para rodarla, incluyendo viajes a Nueva York, Sicilia, Las Vegas... tanto estrés hizo que Coppola estuviese a punto de parar el rodaje a mitad de este y darlo todo por perdido. Ademas Paramount quería recrear la historia en la actualidad y no en los años 40 como describía la obra de Puzo, pero Coppola se negó por completo. La razon por la que Paramount quisiese hacer esto era para ahorrarse dinero. Pero si la falta de tiempo para el rodaje y la presión por ambientar la historia en la actualidad parecía poco, Paramount puso las cosas aún mas dificiles al joven Coppola, el cual al no tener apenas experiencia le fue bastante difícil conseguir que en el reparto de actores estuviese Marlon Brando, James Caan, Rober Duvall y Al Pacino y aun así Paramount hizo todo lo posible para que este ultimo no figurase en la película.

Finalmente El Padrino se estrenó y acabo con 6 nominaciones a los Oscars, de los cuales ganó 3.

Despues le seguirían dos secuelas más, y casi una cuarta.

El Padrino esta considerada como la tercera mejor película en la historia cinematográfica americana, por detrás de Ciudadano Kane y Casablanca.

Tras el exito de El Padrino, se propuso a Coppola hacer una segunda parte, pero este se negó rotundamente, siendo finalmente convencido por sus amigos. 

Si en la primera parte el guión lo escribieron conjuntamenete Puzo y Coppola, en esta ocasión escribieron por separado dos guiones, cada uno el suyo. Puzo escribió uno ambientado en los años 20, cuando Don Vito Corleone era aun un joven, y Coppola escribió uno ambientado en los años 50. Finalmente se unieron los dos guiones contando las dos historias.

Como era de esperar se le ofrecio de nuevo el papel principal a Marlon Brando, pero esté lo rechazo ya que pedía a Paramount mas dinero que el que le habían pagado por hacer la primera parte, y Paramount se lo negó. Tras esto se decidió que Brando no volvería a formar parte en ninguna de las secuelas.

Tras muchos quebraderos de cabeza finalmente se eligió como actor principal a un joven actor el cual se había presentado a los castings para el papel de Sonny en la primera parte de El Padrino. Si, estamos hablando de Robert De Niro.

Esta secuela tuvo 11 nominaciones a los premios Oscars ganando 6 de ellos.

Tras varios años y varios proyectos de exito, Coppola se quedó literalmente sin dinero, fue entonces cuando volvió a llamar a Mario Puzo y empezaron a trabajar en el guión de la que sería la tercera parte. En esta ocasión se contó con Andy García y con la hija del mismisimo Coppola, Sofia Coppola.

Sofia Coppola fue muy criticada por su interpretacion de Mary Corleone, papel que originalmente fue escrito para Winona Ryder. De Sofia Coppola se dijo que era una niña de papá y que su presencia en la película era por un simple acto de enchufe.

Ademas en esta película se mostraba a un Michael Corleone viejo y afable, razón por la que la gran mayoría de los espectadores criticaron la película y castigaron con un éxito menor que las anteriores pese a ser la que mas dinero recaudó.

Y si todo esto no fuese poco, esta tercera parte fue la mas cara de todas, se tuvo que pagar cierta cantidad de dinero a El Vaticano para poder rodar en él, y este acabo controlando brevemente Paramount Pictures.

En 1999 Puzo empezo a escribir el guión de una cuarta parte, que sería una replica a la segunda, se intercalarían historias, una del ascenso al poder de la familia Corleone y otra de la actualidad. Pero cuando todo estaba preparado para empezar a rodar con Leonardo Di Caprio como protagonista, Puzo enfermó del corazón y murió en su casa el 2 de Julio de 1999. Tras esto Coppola abandonó el proyecto y pese a que Paramount ha intentado en varias ocasiones hacer una cuarta parte incluso reescribiendo el guion y sin tener en cuenta nada de lo escrito para esta cuarta parte por Puzo, Coppola siempre se ha negado a rodarla.

"SHAME": EL SEXO SIN GLAMOUR

 

                                                    

Una mañana más, Brandon (Michael Fassbender) se despierta en su piso de Nueva York. Vive solo, bien entrado en la treintena. Mira al techo, reflexiona un momento. Se levanta. Está desnudo. Va al baño. Una extraña y sensual voz se insinúa en su contestador. El aludido no descuelga el teléfono.

   Brandon sale de casa. Coge el metro como todos los días. Se encamina hacia su oficina para seguir desempañando un trabajo del que se nos detalla poco, pero se nos sugiere mucho. Mientras las estaciones se suceden, ocupa el tiempo ojeando a sus compañeros de vagón.

   Acabamos de irrumpir en la vida de un ciudadano del siglo XXI. ¿Por qué una película con un comienzo, presuntamente, tan baladí iba a suscitar una reseña de este cariz?

   La cuestión es simple, en apariencia: Brandon es adicto al sexo. Su día nace, se desarrolla y muere en base a una dependencia que se ha tornado compulsiva. Ya hace tiempo que ésta trascendió el mero placer físico. Sus polvos y masturbaciones lo son todo para él, la base de su día a día. El vacío existencial que le carcome sólo puede ser ahuyentado temporalmente a través de la satisfacción corporal más elemental.

   Brandon se alivia en la ducha, en el trabajo, ve vídeos porno, emplea webcams, revistas… No duda en contratar prostitutas y en beneficiarse a las mujeres que quedan a su alcance. Su apetito debe ser saciado llegando a importar poco quién sea el utilizado.

   Hasta que un día entra en escena su hermana Sissy (Carey Mulligan), otro ser a la deriva pero, a diferencia de Brandon, inconformista y con deseos de tomar un nuevo rumbo. Cantante de cabaret ocasional, busca poner un poco de sentido en su vida empezando por el reencuentro con Brandon, al que hace mucho tiempo que no ve. Éste, no sin cierto recelo, permite que ella se aloje unos días en su piso, con las consecuencias que ello acarreará.

   De este modo, queda expuesta la premisa de “Shame”, un filme pequeño por su producción y repercusión mediática pero que, como representante de la cinematografía reciente, se eleva hasta cotas raramente transitadas. Y es que no recuerdo una película de los últimos años que nos haya bombardeado con verdades tan directas, expresadas con una elocuencia tan contundente y estremecedora.

   Nos encontramos ante un relato depresivo sobre el desencanto del presente. En el fondo, la dependencia hacia el sexo de su protagonista puede ser perfectamente traspolable a cualquier otra adicción reconocible de nuestros días: el juego, el tabaco, el alcohol, la televisión, Internet… Cualquier persona con necesidad de llenar su inconformismo cotidiano puede acabar colgado de una mal medida vía de escape a cuyo acceso tenemos todos y de una repercusión imparable.

   En este caso, nos ocupa un tema que sigue siendo tabú actualmente pese a que, desde la mayoría de los sectores, las referencias al sexo son constantes, directas o implícitas. Se nos suele ofrecer la cara más estilizada del acto cuando estamos ante un puro instrumento de poder y comercialidad explotado hasta la saciedad. Al mismo tiempo, se obvia la otra cara: su capacidad de enganche puede producir monstruos.

   La deshumanización ha crecido al mismo ritmo que el progreso tecnológico. El amor, los sentimientos, parecen más proscritos que nunca en las acciones personales. Brandon es la viva representación de eso. Como deja traslucir en una cita con una mujer interesada en él, es un ser solitario e incapaz de amar. Esta idea quedará reflejada de manera prístina en el siguiente encuentro entre ambos.

   El director londinense Steve McQueen, autor de “Hunger”, expone los hechos con una puesta en escena seca, cruda, acorde con la historia que maneja. Sus largos planos fijos obligan al espectador a enfrentarse a la realidad sin escapatoria alguna. Se nos invita a entrar sin llamar en las vidas de unos seres perdidos en una sociedad que los ignora.

   El trabajo del germano-irlandés Fassbender apabulla. Su plasmación de Brandon puede adjetivarse de muchas maneras por lo redondo y exacto que resulta su trabajo. A mí me gustaría destacar ante todo su valentía, su entrega, por desnudarse en pantalla de tal manera tanto por fuera como por dentro, sobre todo por dentro. Con una interpretación de esta categoría, el efecto de una película como “Shame” se multiplica, no sé si por dos, por cinco o por diez.

   Varios son los momentos, de un dramatismo intenso, que quedan alojados en la memoria en una de esas películas que, de verdad, fluye en nuestra cabeza tiempo después de haber abandonado la sala. Tales como la conversación cara a cara entre los hermanos en el sofá, donde las verdades más sinceras cortan el aire, o la conmovedora escena del salón en la que Sissy interpreta una versión despojada de cualquier glamour de “New York, New York” y ante la que Brandon no puede evitar emocionarse, aunque intente ocultarlo.

   Estamos ante una historia sin moralina, en contra de cualquier convencionalismo hollywoodiense ajeno a los dramas de la sociedad vigente y pródigo en pasatiempos aparatosos y fáciles de vender. Esta cinta atrevida y reflexiva, de aparente simplicidad, deja pocos resquicios a la esperanza.

   La vergüenza enunciada en el título nos llegará a cada uno en función de lo que, a título propio, nos sintamos peligrosamente identificados con el trasfondo de lo narrado en esta propuesta cinematográfica indispensable.

Jaime Soteras

ESTAMOS DE ESTRENO

Estamos de estreno!! a partir de mañana tendremos nueva sección, llamada "La Ventana Indiscreta de Jaime Soteras", una sección en la que una vez al mes Jaime Soteras, que ademas de ser periodista y realizador audiovisual es en mi opinión una de las personas que mas sabe de cine en España, nos dará su opinión de la actualidad del mundo del cine. Espero que disfruten de sus conocimientos y criticas cinematográficas igual que lo disfruto yo

CARLOS ARAGON: CUANDO LA LUZ SE VUELVE COMPLICE DEL OBJETIVO

A veces una simple fotografía, la miras una vez y no ves nada que pueda llamarte la atención, pero la vuelves a mirar y te das cuenta de la gran carga, de la cantidad de mensajes, de esa bolsa llena de sentimientos que tiene a sus espaldas ese pequeño instante de la realidad encerrado en un trozo de cartón delimitado por un marco, Eso mismo ocurre con Carlos Aragón, un fotógrafo exquisito que dicho bastamente, profesional como la copa de un pino. Pero esta claro que tener una profesionalidad así no puede ser si no se tiene un pasado, Carlos Aragón no es lo que es por casualidad, sino que lleva una trayectoria profesional ya de mucho tiempo. Trabajó para el Diario ABC durante mas de diez años y en la actualidad trabaja por su cuenta en un estudio que tiene en Madrid.

Aunque Carlos Aragón en los últimos tiempos se ha especializado en la fotografía infantil, llegando a ver a través de su objetivo lo que los demás no seriamos capaces de apreciar, también es un especialista de cualquier tipo de fotografía diferente a la anteriormente mencionada.

Pero quizás entre todas sus virtudes hay una que a mi personalmente me apasiona, y es la gran habilidad que tiene para saber combinar y jugar con las luces y las sombras. Esos constraste maravillosos, ese sabor tactil-visual exquisito que te deja en un paladar ya quemado por haber degustado demasiados platos fotográficos de cocineros visuales que se creen algo y no son nada. En los tiempos que corren, donde ya cualquier persona puede comprarse una cámara reflex y puede dedicarse a este noble mundo de la fotográfia, son pocos los que en realidad destacan por su buen hacer y su gran trabajo profesional, y sin dudarlo, creo que Carlos Aragón ha cumplido con este objetivo y aun así ha sacado una clara ventaja, mi admiración no tiene limite hacia este humilde hombre que ha sabido captar como nadie lo que los demás no han conseguido.

No obstante os dejo más abajo un pequeño ejemplo de sus trabajos, pero si queréis saber más sobre él y su trabajo, visitar su facebook http://www.facebook.com/pages/Baby-Art-Photo/162538953805859 o   pagina web http://www.babyartphoto.es/

NACE LA TELEVISIÓN INVISIBLE

¿Harto de oír hablar de grandes joyas del cine clásico y no poder verlas porque no sabes donde?  ¿Cansado de que te recomienden un cortometraje y no puedas verlo porque no lo encuentras? Nace La Televisión Invisible, un lugar donde podrás ver desde cine mudo a cortometrajes o documentales. Solo tienes que dar a la pestaña que pone La Televisión Invisible que está situada en la parte superior de El Diafragma Invisible. Y para empezar, a partir de hoy podrás ver "Viaje a la luna" (1902) de Georges Méliès.

CON LAS MANOS EN LA MASA

"Con las manos en la masa" no fue el primer programa de cocina emitido en televisión en España, pero con toda seguridad fue el que fue maestro de los programas que podemos ver hoy. El primer programa de cocina emitido en España fue "Vamos a la mesa" presentado por Maruja Callaved, pero paso a la historia sin pena ni gloria, aunque este no fue el caso de "Con las manos en la masa" que 1984 aterrizo en los televisores españoles de la mano de Elena Santonja que junto al guionista Alvaro Lion Depetre crearon escuela. El programa consistía en que Elena Santonja invitaba a personas famosas de diversa indole, y junto a ella cocinaban un plato de la gastronomía tradicional mierntras ella los entrevistaba.

Por el programa se pudieron ver acompañar a Santonja personas como Alaska, Martirio, Victor Manuel, o Carlos Berlanga, por citar algunos de una larga lista.

Posiblemente poca gente conozca que Elena Santonja era desdendiente del famoso pintor Eduardo Rosales (que Madrid dedicó una calle con su nombre) y mujer del famoso guionista Jaime de Armiñan.

El programa fue un exito hasta que TVE propuso incluir publicidad en el programa de forma gratuita, Santonja se negó a hacerlo si no cobraba nada por ello y finalmente en 1991 el programa fue retirado, dejando 6 programas grabados que nunca llegaron a emitirse. En su lugar se empezó a emitir "El menú de cada día" presentado por un debutante Karlos Arguiñano.

La cabecera del programa "Con las manos en la masa" era una animacion por ordenador que hoy vemos como cutre pero hay que pensar que para la época era toda una innovación.

La mayoría de la gente cuando se les dice que que recuerdan de "Con las manos en la masa" siempre lo primero que se les viene a la cabeza es la famosa canción de la cabecera, una canción pegadiza que fue compuesta por el grupo Vainica Doble donde cantaba Carmen Santonja, hermana de Elena Santonja, presentadora y directora del programa, y fue grabada cantada a duo con Gloria Van Aerssen y un jovencisimo por aquel entonces Joaquin Sabina.

PREMIOS OSCARS: ANECDOTAS Y CURIOSIDADES

Quedan menos de 48 horas para que el glamour inunde las calles de Los Angeles, y a quienes les apasiona el cine como es en mi caso, también nos iluminara un poco de esa luz de glamour y fiesta. Pero ahora que estamos a tan poco tiempo de esa gala, quizás haya muchas cosas que no sepas sobre ella. Vamos a hacer un pequeño repaso a las curiosidades y anécdotas que han ocurrido en Los Oscars a lo largo de su historia.

La primera ceremonia de la entrega de los premios se celebró el 16 de Mayo de 1929,  aunque los nombres de los premiados se conocían desde el 18 de Febrero de ese mismo año.

Durante toda su historia las películas más premiadas han sido Ben-Hur (1959), Titanic (1997)y El señor de los anillos: El retorno del rey (2003), con 11 estatuillas cada una. Sin embargo, la película con mas nominaciones y que no llego a ganar ninguna de las estatuillas es El color purpura (1985), la cual tenía 11 nominaciones.

Cuando a Roberto Benigni le dieron la estatuilla por La vida es bella (1997), a su director no se le ocurrió mejor manera que ir a recoger el premio tremando por los asientos. Aunque mas sorprendente fue Jack Palance en 1991, que cuando le fueron a dar el premio por mejor actor de reparto en Cowboys de ciudad solo se le ocurrió hacer flexiones en el escenario con un solo brazo... y tenía 72 años!!

El caso de Jack Lemon fue diferente y si cabe decir, triste y penoso, Cuando le dieron la estatuilla por su papel en Salvad al tigre (1973) subió a recogerlo completamente borracho y con la ayuda de dos voluntarios.

G. C. Scott protagonizó quizás el momento mas solidario de toda la historia de estos premios, fue cuando le dieron el premio al mejor actor por su papel en Patton, Scott no fue a la gala por considerar que los premios generan competencia entre colegas.

Greer Garson, a la cual dieron el premio a la mejor actriz en 1942 por su papel en La señora Miniver,  dió un discurso de 5 minutos y medio, desde entonces la academia controla el tiempo de los discursos de los premiados. En la actualidad la academia envia un dvd con un cronometro exactamente igual al que habrá en la gala a todos los nominados para que practiquen, solo se les deja 45 segundos para sus agradecimientos.

Quizas una de las anecdotas mas graciosas de estos premios fue cuando Humphrey Bogart, favorito por Casablanca (1943), se levanto a recoger el premio sin darse cuenta que realmente el ganador había sido Paul Lukas. Otra anecdota graciosa fue cuando Rita Hayworth debido a su miopía se confundió en 1964 al leer el nombre del premiado al mejor director.

Woody Allen nunca a asistido a los premios Oscars, la razón es que siempre se celebra los Lunes, y Allen va todos los lunes por la tarde a su club a tocar el clarinete, ni siquiera fue en 1977 cuando le dieron 4 de los 5 Oscars a los que estaba nominado.

En 1963, Sidney Poitier fue el primer actor de color en recibir un Oscar.

En 1973 David Niven estaba presentando las nominaciones al mejor sonido, cuando un espontaneo apareció encima del escenario desnudo y con el simbolo de la paz pintado en su cuerpo, y el bueno de Niven supo salir de esa situaacion embarazosa diciendo "Hemos tenido la oportunidad de ver sus pequeñeces", el publico rompió a carcajadas.

en 1933, Will Rogers abrió el sobre con el nombre del vencedor, pero ya fuese por los nervios o por alguna otra razón, solo acertó a decir "para mi amigo Frank", Frank Capra que era amigo intimo de Rogers se levantó a recoger el premio, pero Rogers en realidad se refería a Frank Lloid.

Quizas lo que muchos no sepan es que antes cuando se entregaba el premio se decir "The winner is..." pero desde 1988 se dice "The Oscar goes to..."

El gran susto fue en el año 2000, cuando 55 estatuillas desaparecieron del muelle de carga donde estaban almacenadas, pero gracias a la buena voluntad de un ciudadano las estatullas fueron recuperadas y llegaron a tiempo a la gala.

En el 2001 para que la gala no se alargase demasiado ya que la del año anterior habia durado 4 horas la academia anunció que premiaría el discurso mas breve con un equipo de televisión. Julia Roberts recogio el premio ese año a la mejor actriz y cuando estaba en el escenario dijo "Que demonios!! yo ya tengo tele, y como no se si voy a volver a estar aqui arriba en toda mi vida, me voy a tomar el tiempo que necesite en agradecer el premio a quien quiera"

Björk en 2001 estaba nominada al premio como mejor cancion original por "Bailando en la oscuridad", fue a la gala con un traje en forma de cisne, y en la alfombra roja "puso" un huevo.

Katherine Herpburn tuvo 12 nominaciones a los Oscars a lo largo de su carrera, consiguiendo 4 de ellos, pero en ninguna de las ocasiones fue a la gala a recoger el premio.

En 1972 Marlon Brandon rechazo ir a recoger el Oscar que le habian otorgado por su papel en El padrino, enviando a recogerlo por él a una india para protestar por la discriminación que sufría el colectivo indio en Holywood.

La unica película clasificada como X que ha ganado un Oscar fue Cowboy de medianoche (1969).

Y para terminar diremos que en 1979 Meryl Streep olvidó en el baño el Oscar que había ganado como mejor actriz secundaria en "Kramer contra Kramer". Afortunadamente pudo recuperarlo.

LA FOTOGRAFIA HUNGARA: DE KERTÉSZ A CAPA

Cuando hablamos de fotografía húngara hablamos de una manera diferente de entender este arte, de un lenguaje que revolucionó la fotografía como testimonio y como forma de hacer llegar un mensaje a la sociedad, retratando una Europa devastada en el siglo XX, marcada por periodos de guerras y entreguerras, y así hasta los años sesenta.

Todos los fotógrafos húngaros que crearon este lenguaje eran personas que en su día y por diversas razones salieron huyendo de su país natal, algunos de ellos para combatir en la I Guerra Mundial, como es el caso de Kertész y de Moholy-Nagy.

André Kertész compró su primera cámara fotográfica en 1912. Cuando estalló la I Guerra Mundial se alistó al ejercito austrohungaro y publicó sus primera fotografías, escenas desde la retaguardia. Ya terminada la guerra, en 1925 emigro a París, donde conoció a Robert Capa. Allí trabajo para revistas de prestigio como Vu, Sunday Times o Uhu. En 1936 coge su Leica y se marcha a Nueva York donde se convierte en un prestigioso fotógrafo del mundo de la moda, trabajando para revistas como Look o la revista Vogue.

El caso de Lászlo Moholy-Nagy es bien diferente, el hecho de que desde bien joven hubiese entrado en contacto con artistas rusos y hungaros futuristas, dadaistas y constructivistas marcó claramente su vision fotográfica. Jugó mucho con la luz y fueron famosas sus fotografías aereas picadas y contrapicadas, muy recurridas en el cine experimental del momento. La II Guerra Mundial le obligó a exiliarse a Estados Unidos, donde murió enfermo de leucemia en 1946.

Martin Munkácsi no se limitó solo a ser un extraordinario fotógrafo, sino que también fue poeta y pintor. En el mundo fotográfico comenzó como reportero gráfico deportivo. Al igual que Moholy-Nagy, Munkácsi también recurrió en numerosas ocasiones a las fotografías aereas picadas y contrapicadas. Huyendo del nazismo se instalo en Estados Unidos, donde se dedicó a la fotografía del mundo de la moda, introduciendo en ella por primera vez en la historia el mundo deportivo.

Brassaï en un principio no quería ser fotógrafo sino pintor. Por esta razón abandono su tierra natal para realizar estudios de arte en Alemania. En 1924 se traslada a París y animado por Kerstéz decide dedicarse a la fotografía. Empieza retratando el París nocturno y acabó haciéndose famoso por sus retratos a personas famosas del momento. Pero ademas de ser un excelente fotógrafo también fue escritor, dubujante, escultor, pintor y se dedico al mundo del cine.

Robert Capa es quizás el mas representativo y mas famoso de la fotografía húngara. Estudió en Berlín Ciencias Políticas, Sociología y Periodismo, compaginando los estudios con un puesto de trabajo de asistente en unos laboratorios fotográficos. La persecución nazi contra los judíos le obligó a exiliarse en París donde trabajó para la revista Vu. En 1936 decide dedicarse a la fotografía bélica como fotógrafo independiente. Retrató la actuación de las fuerzas republicanas durante la Guerra Civil Española. Retrató a la armada de Estados Unidos en Europa y África durante la II Guerra Mundial, siendo publicadas dichas fotografías en la revista Life. Fotografió la invasión japonesa en 1938, la guerra palestina entre 1948 y 1950 y la guerra camboyana en 1954, donde la mala suerte hizo que pisase una mina y muriese. Fundó la agencia Magnum  y es considerado como el padre del fotoperiodismo comprometido con las victimas inocentes, enfrentado a las guerras y la injusticia.

CONCURSO PARA LA CREACION DE UN LOGOTIPO!!!

Año nuevo... blog nuevo!! si señores y señoras, en un intento de renovar un poco el aspecto de este blog he decidido hacer un concurso. El concurso en cuestión consiste en que diseñeis un logotipo para este blog. El ganador recibirá esta maravillosa taza con forma de objetivo Canon, ademas de porder ver su diseño como logotipo de este maravilloso blog.

Las bases del concurso son bien sencillas:

- No sirve un logotipo hecho a partir de una fotografía o dibujo sacado de internet, sino que tiene que ser un diseño único, innovador y original creado totalmente por ti.

- Tiene que ser a color

- Su tamaño maximo debe de ser de 20x20 cm

- Debes enviarme el logotipo en  formato .jpeg

-El logotipo debe de estar sobre un fondo blanco

-Todo debes enviarmelo a mariogonriv@gmail.com

- En el email que me envies no olvideis de poner en asunto "Concurso logotipo"

-El plazo limite de envio es el 31 de Enero de 2012

El ganador sera publicado en este blog. Mucha suerte!!

LA NARANJA MECANICA: 40 AÑOS TEMIENDO A LOS DRUGOS

El pasado 19 de Diciembre se cumplieron 40 años de la premier en Estados Unidos de la película "A Clockwork Orange" de Stanley Kubrick. Para mi, y soy consciente de que algunos estarán de acuerdo conmigo pero que otros muchos me tacharan de enfermo mental, es una de las mejores películas que se han hecho en todos los años de la historia cinematográfica. Me atrevería a decir incluso que es mi película favorita.

Aunque la premier tuvo lugar el 19 de Diciembre de 1971 en Estados Unidos, la película no fue estrenada en realidad en ese país hasta el 2 de Febrero de 1972, siendo estrenada anteriormente en el Reino Unido el 13 de Enero de ese mismo año. A España la película llego años mas tarde, el 16 de Junio de 1975, y siendo posteriormente re-entrenada en dicho país el 15 de Marzo de 1982 y el 23 de Octubre de 2009. También fue proyectada dentro del Festival de Cine de Sitges el 2 de Octubre de 2010.

Es curioso que la película ha estado siempre prohibida en países como Singapur o Corea del Norte y que en Irlanda no fue estrenada hasta 1999 y la versión en dicho país ha pasado por la temible mano de la censura, e incluso en Inglaterra fue clasificada como Película X. Por lo tanto estamos ante todo una película cargada de polémica.

Como la película la hemos visto la gran mayoría de gente unas cuantas veces no me voy a detener en explicarla, pero si en contar detalles curiosos de la misma. Asi que hagamos un breve repaso de estas curiosidades.

La pelicula fue censurada al poco de su estreno en el Reino Unido, y lo mas curioso del asunto es que la censuró el propio Stanley Kubrick, ya que se rumoreó que un grupo de gamberros habían matado de una paliza a un vagabundo mientras cantaban "Singing in the rain" al igual que aparece en la película de Kubrick. Hasta la muerte de este en 1999 no se volvió a estrenar en dicho país. 

El Korova Milk Bar, que es donde Alex y sus drugos pasan las noches es el mismo bar que aparece en la película Trainspotting. En realidad Trainspotting es un claro homenaje a la Naranja Mecanica pero con tintes muchos mas modernos.

Otra curiosidad es que el propio Kubrick solicitó a Pink Floyd poder ultilizar para la película la música de su disco Atom Heart Mother, pero la banda inglesa se negó.

Cuando Alex se dirige a la tienda de discos, en la entrada de esta hay un hombre leyendo el periódico, pues bien, lo que poca gente ha advertido es que ese hombre es el mismisimo Kubrick haciendo un cameo para su propia película, muy al estilo de Hitchcock.

En la secuencia donde obligan a Alex a ver películas con extrema violencia por primera vez, en la primera película donde se ve a un hombre siendo apaleado, ese hombre es el mismisimo Roman Polanski.

Malcolm McDowell (actor que encarna el papel protagonista de Alex) declaró que trabajar con Kubrick había sido un infierno, ya que se había comportado con los actores como el mas terrible de los tiranos.

El guardaespaldas de Mr. Alexander fue por interpretado por David Prowse, que mas tarde interpretó a Darth Vader en Star Wars. Prowse declaró que acabo tremendamente agotado después de repetir hasta en treinta ocasiones la secuencia en la que lleva en brazos a Alex.

El hecho de que Alex cante "Singing in the rain" es fortuito, ya que McDowell la cantó de forma improvisada al pedirle Kubrick que cantase algo mientras golpeaba a Mr. Alexander (interpretado por Patrick Magee). McDowell solo se sabía la letra de esa canción.

El lienzo de la mujer desnuda que se ve en el Korova Milk Bar es el mismo que aparecíó años mas tarde en la película también de Kubrick, "El resplandor" (1980).

10 AÑOS DEL FABULOSO DESTINO DE AMELIE POULAIN

Otro aniversario más... si en el articulo anterior hablabamos del aniversario de Thelma & Louise ahora nos toca hablar de Amelie, otra de mis películas favoritas, tanto por el guion, como por la estética, como por su banda sonora, y por supuesto, por estar ambientada en París, mi ciudad favorita. Posiblemente tú eres una de esas personas que se quedo impregnado de esta maravillosa historia, posiblemente te quedaste enamorado de la maravillosa Amelie Poulain, pero quizas no sepas ciertos detalles de la película que a continuación explicaremos.

"Le fabuleux destin d´Amelie Poulain", que es así como se llama originalmente, aunque en España se estrenó simplemente bajo el nombre de "Amelie" fué estrenada en Francia (país de donde es original), Bélgica y Suiza el 25 de Abril de 2001 aunque en España no se estrenó hasta el 19 de Octubre de 2001.

El papel de Amelie fue escrito para Emily Watson. Jean-Pierre Jeunet se había enamorado de ella (profesionalmente hablando) al verla en "Breaking the waves" de Lars Von Trier, pero Watson tuvo que rechazar el papel porque no sabía hablar francés de forma fluida, no quería pasar un largo tiempo fuera de casa y ademas ya se había comprometido a rodar "Gosford Park" (2001). Lo curioso del asunto es que Jeunet se había obsesionado tanto con Emily Watson que en un principio la película se iba a llamar "Emily", tras el rechazo de Watson se barajó llamar a la película "Amelie des Abesses". Dada la negativa de Watson, Jeunet convoco un casting, y según cuenta Jeunet al ver a Audrey Tautou tuvo que esconderse para ocultar sus lagrimas de emoción. Por fin había encontrado a la actriz perfecta para ese papel. Si Watson hubiese aceptado el papel la película se iba a haber rodado en Londres.

Para preparar el papel de Amelie, Jeunet obligo a Audrey Tautou a ver todas las películas protagonizadas por Audrey Herpburn. 

Otro dato curioso es que Gilles Jacob, director del festival de cine de Cannes, rechazó y menospreció la película, diciendo que la película no era interesante. Esto provocó la indignación tanto del público y de la critica en prensa. Es obvio que el señor Jacob sabría mucho de cine pero en esta ocasión no dió ni una.

La cafetería donde se rodó la película estaba justo enfrente de la casa de Jeunet, su dueño a punto de jubilarse y ya cansado de ella iba a venderla, pero tras el exito de la película decidió conservarla, hoy en día es uno de los lugares mas visitados por los turistas. La cafetería conserva los neones del techo y la característica puerta del baño, pero sin embargo no esta ni el estanco que había en el interior de la cafeteria en la película ni el cristal donde Amelie escribía el menú diario. Por si alguien tiene curiosidad en visitar dicha cafetería os puedo decir que esta en uno de los barrios con más encanto de París, Monmartre, su dirección es 15 rue Lepic.

Ya que la famosa cafetería está en el barrio de Monmatre, desde que la película tuviese tanto existo el precio de los pisos en dicho barrio se han disparado.

La famosa frutería donde Amelie compraba la regenta en la vida real un argelino llamado Alí, que tras el estreno de la película decidió sacar partido y ver renacer un negocio que poco futuro tenía. En la actualidad la frutería se conserva tal cual la veíamos en la película y si vamos a visitarla podremos ver las famosisimas fotografias Polaroid del gnomo viajero de Amelie. La frutería se encuentra en la calle parisina de 56 rue Trois Frères.

El lugar donde Amelie lanzaba piedras al agua es el canal de Saint-Martin, que empieza en la plaza de Stalingrado y acaba en la Bastilla. A las orillas de dicho canal en verano los jovenes se reunen al caer la noche para comer queso con uvas y beber champán.

Es destacable el hecho de que Amelie fue la primera pelicula de Jeunet rodó fuera de un estudio.

Para terminar esta pequeña guía de la película diremos que al ser París una ciudad llena por todos los rincones de graffitis, para la película los lugares donde se rodó tuvieron que ser limpiados y restaurados.