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jueves, 8 de noviembre de 2012

LA FOTOGRAFIA POST MORTEM: LA FORMA DE LLEVARTE DE TUS SERES QUERIDOS... ¿UN BONITO RECUERDO?


Acaba de pasar la noche de Halloween, la única noche en las que se abren las puertas para contactar con nuestros seres queridos ya fallecidos. Aunque muchos piensan que Halloween es un invento de los yankis, lo cierto es que Halloween es una tradición de la cultura celta.

Una vez más por estas fechas tan terrorificas volvere a tratar un tema tétrico, si el año pasado por Halloween traté el tema del genero de zombies en el cine, este año tratare el tema de la fotografía post mortem. Es un tema que llevaba tiempo queriendo tocar, y que nunca veía el momento adecuado. ¿Os acordáis de la película "Los otros" de Alejandro Amenabar? en ella se trataba un poco el tema de este genero fotográfico. 

Aunque nos parezca tétrico o morboso, la fotografía post mortem era una practica muy común en el siglo XIX. En aquella época realizar había el número de fallecimientos que de naciemientos. La gran mayoría de los fallecidos eran niños, que morían a causa de la viruela y la fiebre amarilla. Otra gran mayoría de los fallecidos eran mujeres, que morían en el parto. Así que en aquella época la muerte era entendida como algo normal y en ocasiones como un privilegio. También hay que tener en cuenta que en el siglo XIX hacerse una fotografía te costaba el sueldo de toda una semana trabajando, por lo tanto era un privilegio que pocos podían permitirse. 

Cuando un familiar fallecía se le hacía y los familiares podían costear los costes se le hacía una ultima fotografía de recuerdo, en muchas ocasiones jamas antes se le había hecho una. Normalmente se le fotografiaba tumbado en una cama o metido en un ataúd pero en otras ocasiones se le vestía y se le sentaba en una silla simulando que estaba vivo, en ocasiones solo y otras ocasiones rodeado de sus familiares vivos. Y si el fallecido era un niño o una niña a veces se le sentaba en una silla llevando puesto su mejor vestido y se le rodeaba de muñecas.

El hecho de retratar a las personas fallecidas no es original del siglo XIX, ya que en la época del Renacimiento ya se retrataban a los fallecidos por medio de la pintura, donde a menudo se retrataba al fallecido entre motivos religiosos. Esta técnica era llamada Memento Mori.

En el caso de la fotografía post mortem el propio fotógrafo era el encargado posicionar al fallecido a su gusto, vestirle, maquillarle y disponer de la decoración que creyese apropiada. Muchos de estos fotógrafos se convirtieron en auténticos expertos, pero muchos otros fueron un desastre.

Cuando una persona fallecía sus familiares llamaban al fotógrafo, que normalmente se encontraba a kilómetros de distancia, y este tenía que ir rápidamente antes de que la persona fallecida empezase a descomponerse, y estas prisas tenían un coste extra. En muchas ocasiones el fotógrafo no llegaba a tiempo y se tomaba la fotografía con signos de principio de estado de descomposición.

Como ya os he comentado anteriormente el propio fotógrafo tenia absoluta libertad de posicionar el cadáver como creyese oportuno. En muchas ocasiones hacía que el fallecido apareciese con los ojos abiertos para dar una mayor sensación de vida. Para abrirle los ojos se ayudaba de una cucharilla de café y con los dedos direccionaba los ojos. Al principio no se ponían adornos en las fotografías y la cámara se posicionaba a la altura de los ojos, pero con el paso de los años se fueron poniendo flores y otros adornos y los planos fueron picados y contrapicados.

En ocasiones el fotógrafo no conseguía el efecto adecuado en la fotografía, asi que posteriormente sobre la fotografía ya impresa le pintaba coloretes al difunto o hacía el retoque que creyese oportuno.

La fotografía post mortem estuvo muy extendida hasta mediados del siglo XX, ya que por esas fechas aparecieron las maquinas fotográficas modernas y ya era mas viable el hecho de retratar a una persona en vida y no muerta, y claro, retratarlo en vida siempre resulta menos morboso.

Actualmente se siguen realizando fotografías post mortem aunque en menos medida. Principalmente actualmente lo hacen la prensa escrita cuando muere algún personaje ilustre o alguna persona famosa. En España unas de las ultimas fotografías post mortem que se recuerdan son las del dictador  Francisco Franco, la del Papa Juan Pablo II y la del dirigente comunista Santiago Carrillo.

martes, 6 de marzo de 2012

CARLOS ARAGON: CUANDO LA LUZ SE VUELVE COMPLICE DEL OBJETIVO


A veces una simple fotografía, la miras una vez y no ves nada que pueda llamarte la atención, pero la vuelves a mirar y te das cuenta de la gran carga, de la cantidad de mensajes, de esa bolsa llena de sentimientos que tiene a sus espaldas ese pequeño instante de la realidad encerrado en un trozo de cartón delimitado por un marco, Eso mismo ocurre con Carlos Aragón, un fotógrafo exquisito que dicho bastamente, profesional como la copa de un pino. Pero esta claro que tener una profesionalidad así no puede ser si no se tiene un pasado, Carlos Aragón no es lo que es por casualidad, sino que lleva una trayectoria profesional ya de mucho tiempo. Trabajó para el Diario ABC durante mas de diez años y en la actualidad trabaja por su cuenta en un estudio que tiene en Madrid.

Aunque Carlos Aragón en los últimos tiempos se ha especializado en la fotografía infantil, llegando a ver a través de su objetivo lo que los demás no seriamos capaces de apreciar, también es un especialista de cualquier tipo de fotografía diferente a la anteriormente mencionada.

Pero quizás entre todas sus virtudes hay una que a mi personalmente me apasiona, y es la gran habilidad que tiene para saber combinar y jugar con las luces y las sombras. Esos constraste maravillosos, ese sabor tactil-visual exquisito que te deja en un paladar ya quemado por haber degustado demasiados platos fotográficos de cocineros visuales que se creen algo y no son nada. En los tiempos que corren, donde ya cualquier persona puede comprarse una cámara reflex y puede dedicarse a este noble mundo de la fotográfia, son pocos los que en realidad destacan por su buen hacer y su gran trabajo profesional, y sin dudarlo, creo que Carlos Aragón ha cumplido con este objetivo y aun así ha sacado una clara ventaja, mi admiración no tiene limite hacia este humilde hombre que ha sabido captar como nadie lo que los demás no han conseguido.

No obstante os dejo más abajo un pequeño ejemplo de sus trabajos, pero si queréis saber más sobre él y su trabajo, visitar su facebook http://www.facebook.com/pages/Baby-Art-Photo/162538953805859 o   pagina web http://www.babyartphoto.es/














lunes, 20 de febrero de 2012

LA FOTOGRAFIA HUNGARA: DE KERTÉSZ A CAPA


Cuando hablamos de fotografía húngara hablamos de una manera diferente de entender este arte, de un lenguaje que revolucionó la fotografía como testimonio y como forma de hacer llegar un mensaje a la sociedad, retratando una Europa devastada en el siglo XX, marcada por periodos de guerras y entreguerras, y así hasta los años sesenta.

Todos los fotógrafos húngaros que crearon este lenguaje eran personas que en su día y por diversas razones salieron huyendo de su país natal, algunos de ellos para combatir en la I Guerra Mundial, como es el caso de Kertész y de Moholy-Nagy.

André Kertész compró su primera cámara fotográfica en 1912. Cuando estalló la I Guerra Mundial se alistó al ejercito austrohungaro y publicó sus primera fotografías, escenas desde la retaguardia. Ya terminada la guerra, en 1925 emigro a París, donde conoció a Robert Capa. Allí trabajo para revistas de prestigio como Vu, Sunday Times o Uhu. En 1936 coge su Leica y se marcha a Nueva York donde se convierte en un prestigioso fotógrafo del mundo de la moda, trabajando para revistas como Look o la revista Vogue.

El caso de Lászlo Moholy-Nagy es bien diferente, el hecho de que desde bien joven hubiese entrado en contacto con artistas rusos y hungaros futuristas, dadaistas y constructivistas marcó claramente su vision fotográfica. Jugó mucho con la luz y fueron famosas sus fotografías aereas picadas y contrapicadas, muy recurridas en el cine experimental del momento. La II Guerra Mundial le obligó a exiliarse a Estados Unidos, donde murió enfermo de leucemia en 1946.

Martin Munkácsi no se limitó solo a ser un extraordinario fotógrafo, sino que también fue poeta y pintor. En el mundo fotográfico comenzó como reportero gráfico deportivo. Al igual que Moholy-Nagy, Munkácsi también recurrió en numerosas ocasiones a las fotografías aereas picadas y contrapicadas. Huyendo del nazismo se instalo en Estados Unidos, donde se dedicó a la fotografía del mundo de la moda, introduciendo en ella por primera vez en la historia el mundo deportivo.

Brassaï en un principio no quería ser fotógrafo sino pintor. Por esta razón abandono su tierra natal para realizar estudios de arte en Alemania. En 1924 se traslada a París y animado por Kerstéz decide dedicarse a la fotografía. Empieza retratando el París nocturno y acabó haciéndose famoso por sus retratos a personas famosas del momento. Pero ademas de ser un excelente fotógrafo también fue escritor, dubujante, escultor, pintor y se dedico al mundo del cine.

Robert Capa es quizás el mas representativo y mas famoso de la fotografía húngara. Estudió en Berlín Ciencias Políticas, Sociología y Periodismo, compaginando los estudios con un puesto de trabajo de asistente en unos laboratorios fotográficos. La persecución nazi contra los judíos le obligó a exiliarse en París donde trabajó para la revista Vu. En 1936 decide dedicarse a la fotografía bélica como fotógrafo independiente. Retrató la actuación de las fuerzas republicanas durante la Guerra Civil Española. Retrató a la armada de Estados Unidos en Europa y África durante la II Guerra Mundial, siendo publicadas dichas fotografías en la revista Life. Fotografió la invasión japonesa en 1938, la guerra palestina entre 1948 y 1950 y la guerra camboyana en 1954, donde la mala suerte hizo que pisase una mina y muriese. Fundó la agencia Magnum  y es considerado como el padre del fotoperiodismo comprometido con las victimas inocentes, enfrentado a las guerras y la injusticia.






jueves, 17 de noviembre de 2011

FOTOGRAFIAS QUE SE MUEVEN... CUANDO LO IMPOSIBLE SE HACE POSIBLE


Si alguien os dijese que existen fotografías donde aparece un objeto que se esta moviendo constantemente diriais que es imposible. Pero a veces lo que parece imposible para algunos es posible. 

Pues bien, de lo que vamos a hablar ahora es de eso, imagenes que se mueven constantemente en una fotografía como si de magia se tratase. Vamos a hablar del efecto "Cinemagraphs".

El "Cinemagraphs" es una tecnica que se queda a medio camino entre la fotografía y el video. La fotógrafa Jamie Beck junto con el artista Burg Kevin han creado esta técnica que consiste en hacer un gran numero de fotografías en pequeñas fracciones de segundo y luego unirlas todas convirtiendo todo a una imagen de formato GIF.

Aunque los archivos GIF han existido toda la vida, tanto Beck como Kevin han logrado crear un efecto en ellos totalmente innovador.

Aqui os dejo unos ejemplos del trabajo de Beck y Kevin para que opineis.

















martes, 8 de noviembre de 2011

¿PINTURA O FOTOGRAFIA? EL ARTE DE DESPISTAR DE ALEXA MEADE


A veces una fotografía no se queda en el simple hecho de capturar un microsegundo de nuestra vida, del mundo que nos rodea, sino que también una fotografía puede ser una exposición artística de un concepto o idea a desarrollar o entender. A veces una obra la interpretamos de una manera u otra, siempre dándonos a elegir el artista la forma de entender las sensaciones que causan en nosotros dicha obra. Pero en otras ocasiones las sensaciones causadas son confusas y diversas, y esto es un claro ejemplo de lo plasmado en las obras de Alexa Meade, una artista norteamericana que mezcla fotografía con pintura hiperrealista.

Su técnica ha revolucionado la manera de entender el arte fotográfico y pictórico, ya que ya no es una cosa u otra sino que es una combinación de ambas. Si vemos una de sus fotografías no sabemos si lo que vemos es un modelo de carne y hueso o es simplemente los trazos de un pincel sobre un lienzo, pero una vez que vemos su proceso de elaboración comprendemos que son ambas cosas, modelos de carne y hueso cuya piel ha sido decorada de forma policromada.

Esta artista de tan solo 25 años ya puede presumir de haber expuesto en la Postmaster de Nueva York o en la Saatchi de Londres. Me atrevo a vaticinar un gran futuro para ella.

Si quereís saber mas sobre ella y sobre su obra no dejeís de visitar su web http://alexameade.com/

Y para que comprendáis mejor su técnica de trabajo, aquí os dejo unas fotografías que muestran claramente como consigue tal efecto.
















lunes, 15 de agosto de 2011

EL EFECTO TILT SHIFT O COMO HACER QUE TODO PAREZCA DE JUGUETE


El efecto Tilt Shift es aun un completo desconocido para muchos aficionados a la fotografía, pero para muchos otros es un efecto algo más que espectacular.

Esta técnica produce un efecto surrealista haciendo que cualquier cosa, especialmente los grandes espacios, parezca una miniatura o una maqueta. 

El efecto Tilt Shift se consigue inclinando la lente con respecto al sensor de la cámara. Al inclinar la lente, y tras desplazarlo hacia delante o hacia atrás, uno consigue dos cosas:

1. Logra que se enfoque solo una parte de la imagen, de una manera muy surrealista, ya que la "banda de enfoque" es proporcional a la inclinación de la lente, lo que significa por ejemplo que puedes tener la parte de arriba y la parte de abajo de la foto fuera de foco, pero la banda central totalmente enfocada.

2. Logra cambiar la perspectiva capturada en la lente, en una relación matemática que relaciona el plano del sensor con el plano de la lente inclinada.

Combinando estas dos cosas consigues hacer que nuestra mente capte la imagen como si esta fuese un objeto en miniatura.

Para lograr este efecto tienes dos maneras de conseguirlo:

1. Puedes comprar unas lentes especialmente diseñadas para lograr este efecto, las hay de todas las marcas populares (Nikon, Canon...), esta es la manera mas adecuada para conseguir un buen Tilt Shift, pero tambien es la mas cara.

2. Puedes construir tu propia lente siguiendo las numerosas guías que podrás encontrar curioseando un rato por internet.

También hay quien afirma que se puede conseguir el efecto retocando la fotografía con Photoshop, pero yo no estoy muy convencido de que el resultado sea el adecuado. Si aun así quieres saber como hacerlo puedes mirar los múltiples tutoriales que existe en internet.





miércoles, 13 de julio de 2011

NOTAS BASICAS DE LA PROFUNDIDAD DE CAMPO


La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque.

Pero para entenderlo mejor, podemos decir que la profundidad de campo en óptica y en fotografía es la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nitida o lo que es lo mismo, esta enfocada. Por lo tanto, las personas u objetos que esten dentro de esta zona apareceran nitidas.

Depende de cuatro factores: el tamaño del circulo de confusion (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque.

La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. La distancia focal no varía y la profundidad de campo tampoco, siempre y cuando de cada formato ampliemos una copia proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia.

La profundidad de campo no es una zona en la que la fotografía está enfocada perfectamente sino la zona de la fotografía donde el foco es lo suficientemente cercano al plano nítido como para ser aceptable. La profundidad de campo no dicta tampoco cuán borrosos estarán los planos alejados del plano nítido.

La profundidad de campo aumenta en relación inversa a la apertura, es decir, cuanto más cerrado se encuentra el diafragma o lo que es lo mismo, cuanto mayor sea el número f elegido. Por ejemplo, con un diafragma de f5,6 la profundidad de campo no será muy amplia, mientras que con un diafragma de f11 o de f16 será considerable.
Por otra parte, cuanto más cerca se encuentre el motivo que se desea fotografiar, menor será la profundidad de campo, independientemente del diafragma seleccionado. Si se utilizan teleobjetivos también se reduce la profundidad de campo. Pero con objetivos angulares, la profundidad de campo aumenta.


El hecho de que un diafragma muy abierto reduzca la profundidad de campo, explica que las personas miopes vean peor de noche ya que el rango enfocado se reduce, el defecto visual se hace más evidente debido a que hace falta más precisión en el enfoque.