NACE MONDA KINO

Nace MONDA KINO, un lugar donde podrás ver los lugares donde se rodaron algunas de las secuencias de algunas de tus películas favoritas.

MONDA KINO!! mondakino.blogspot.com

EL LADO OSCURO DEL CINE: MUERTES EN LOS RODAJES, PARTE II

Tras el articulo de la semana pasada, hoy vamos a por la segunda parte, y así ponemos punto y final a este morboso capítulo.

Kun Liu

Durante el rodaje de Los mercenarios 2 (2012), Kun Liu, el doble de Sylvester Stallone, falleció mientras rodaba una de las secuencias de la película en Bulgaria. El accidente ocurrió cuando Kun y otro doble también de origen chino preparaban una explosión en un barco y uno de los contenedores explotó. Al parecer no se contaban con las medidas de seguridad pertinentes.

Jack MacGowran

Durante el rodaje de El exorcista (1973), el actor Jack MacGowran falleció de un infarto en pleno rodaje. A consecuencia hubo que cambiar todo el guión de la película.

En esta película no solo falleció MacGowran, sino que también en el primer día de rodaje y la misma hora fallecieron el abuelo del actriz Linda Blair y el hermano del actor Max Von Sydow. 

Posteriormente los estudios de la Warner se incendian y fallecen cuatro trabajadores del equipo de rodaje. También durante el rodaje falleció atropellado por un camión el hijo del actor Jason Miller.

Pero si queremos poner la guinda sobre este morboso pastel, también os diré que cuando la obra fue llevada al teatro en 1975, la actriz que hacia el papel de la niña poseída falleció tras la primera representación en extrañas circunstancias. Cuando el director Peter Coe fue al camerino de Mary Ure para felicitarla por su buena actuación, se la encontró muerta cruzada de brazos, llena de vómitos y en la cama tumbada.

Georges Reeves

En la decada de los 50 del pasado siglo XX, el actor protagonista que encarnó a superman en la serie de TV apareció muerto de un disparo en la cabeza.

Piloto

Aunque desconocemos su nombre, durante el rodaje de la película Top gun (1986) uno de los pilotos contratados para el rodaje perdió el control de su avión y acabó estrellándose contra el Océano Pacifico.

Paul Mantz

Durante el rodaje de la película El vuelo del fénix (1965), el actor Paul Mantz perdió el control de su avión durante el rodaje y acabo estrellándose. Como consecuencia falleció.

Roy Kinnear 

Durante el rodaje en España de El regreso de los tres mosqueteros (1989) el actor Roy Kinnear cayó de un caballo y se fracturo la pelvis. No esta clara la causa de la muerta, mientras unos dicen que sufrió un infarto el cual provocó la caída del caballo, otros dicen que tras el accidente murió desangrado.

Roland Schlotzhauer

Durante el rodaje de The final season (2007) el helicóptero en el que viajaba el operador de cámara Roland Schlotzhauer chocó contra unos cables eléctricos y acabo estrellándose. Como resultado del accidente Roland Schlotzhauer perdió la vida.

EL LADO OSCURO DEL CINE: MUERTES EN LOS RODAJES, PARTE I

Tras nueve meses, lo que viene a ser un embarazo, por fin hemos vuelto, y para celebrar esa vuelta, que mejor forma que hacerlo con uno de esos temas morbosos que tanto nos gustan. Hoy vamos a hablar de las muertes en los rodajes de películas. De hecho, el tema de la muerte en los rodajes lo vamos a dividir en dos partes, la primera es esta, y la segunda lo podréis leer la semana que viene. Vamos a ello.

Bruce Lee

Durante el rodaje de Juego con la muerte (1978) Bruce Lee se quejo de fuertes dolores de cabeza, así que decidió ir a tumbarse un rato a su camerino. Mas tarde fue encontrado en el cuarto de baño, se le traslado urgentemente al hospital en estado de coma, poco después fallecía. La autopsia  señalaría como causa de la muerte un edema cerebral.

Heather O´Rourke

Durante el rodaje de la película Poltergeist III (1988)su protagonista, Heather O´Rourke falleció de un paro cadiaco y un shock séptico subsiguientes a una obstrucción intestinal. Heather tenía tan solo 12 años.

Brandon Lee

Hijo del famoso y ya mencionado anteriormente Bruce Lee. Durante el rodaje de la película El cuervo (1994) Brandon Lee falleció por un fatal error humano. En el rodaje de una secuencia anterior habían sido utilizadas balas reales, pero en la secuencia en la que Brandon Lee falleció debían utilizarse balas de fogueo, pero el equipo de rodaje no vio que dentro de la pistola aun quedaba una bala del calibre 44 de la secuencia anterior no disparada. Brandon recibió un tiro en el abdomen y falleció horas después. La película se terminó con un doble y con diversos efectos visuales.

David Ritchie

Durante el rodaje de Jumper (2008) el escenógrafo David Ritchie fallecíó cuando se le cayeron encima los decorados de una de la secuencias. Lo curioso del asunto es que esa secuencia ya había sido rodada pero se había vuelto a repetir por petición del actor protagonista ya que no había quedado satisfecho del resultado.

Harry O´Connor 

Durante el rodaje de xXx (2002), el doble de Vin Diesel, Harry O´Connor, falleció durante una peligrosa secuencia en la que tenía que hacer un descenso en rapel, la cuerda que lo sujetaba se soltó y Harry se estrelló contra el suelo. Lo curioso del asunto es que el director de la película, Rob Cohen, decidió incluir el accidente mortal en el montaje final.

Vic Morrow

Durante el rodaje de En los limites de la realidad (1983), el actor Vic Morrow y dos niñas, de seis y siete años, murieron durante un vuelo en helicóptero. Dicho helicóptero fue alcanzado por una explosión pirotécnica y como consecuencia explotó. Vic Morrow murió decapitado por las hélices del helicóptero, las dos niñas murieron aplastadas por el mismo.

Mike Huber

Durante el rodaje de G.I. Joe 2: la venganza (2013), Mike Huber, miembro del equipo de la película, falleció mientras desmantelaba un set de rodaje en Louisiana.

George Camilleri

Durante el rodaje de Troya (2004) el extra George Camilleri falleció a causa de dos infartos. Anteriormente había sufrido un accidente en el que se había roto la pierna, y como consecuencia se le formo un cuágulo sanguíneo que provocó los infartos posteriores.

Mike Bridger

Durante el rodaje de El llanero solitario (2013), Mike Bridger, un experto en seguridad acuática, falleció por un paro cardiáco cuando se encontraba en el interior de un gran tanque de agua.

Continuara...

VOLVEREMOS PRONTO

Por problemas El Diafragma Invisible se ha visto obligado a no seguir su actividad en los últimos meses, pero esperamos volver lo antes posible. Perdonen las molestias.

Mario Gonriv

EXTRA!! EXTRA!! EL DIAFRAGMA INVISIBLE AHORA EN TU ANDROID!!

En las próximas horas lanzaremos una aplicación para poder estar a la ultima de El Diafragma Invisible desde tu terminal con sistema Android. Y en un futuro para los terminales Apple.

500 DIAS JUNTOS: DEL AMOR AL ODIO SOLO HAY UN PASO

Hoy vamos a hablar de la que sin duda alguna es mi película romántica favorita. La película protagonizada por Joseph Gordon-Levitt y la bellisima Zooe Deschanel cuenta la historia de Tom, un arquitecto fracasado que se enamora de Summer, una nueva compañera de trabajo. El problema es que Summer ve la relación de una manera muy distinta a la que la ve Tom, y mientras este ultimo piensa en formalizar todo y vivir una vida feliz juntos, ella no quiere formalizar nada y tan solo se toma esta relación como algo pasajero. En un principio podríamos pensar que Summer es la mala de la película porque sabiendo que Tom está enamorado de ella, ella esta utilizándole a su merced, pero si analizamos bien la película nos damos cuenta que es al revés, ya que en ningún momento Summer ha dicho o insinuado que lo suyo con él fuese en serio.

Realmente esta película me encanta porque es real como la vida misma, cuantas veces no habrá ocurrido que nos hemos enamorado de una persona, nos hemos hecho ilusiones y luego todo se ha desmoronado. A veces somos tan estúpidos que deformamos la realidad para adecuarla a nuestro deseo, y por unos momentos somos felices, hasta que todo se va a la mierda. Pero eso si, que nadie nos quite esos momentos de felicidad... felicidad absurda.

El montaje de la película es un montaje muy cuidado, transmitiendo a cada instante al espectador la sensación deseada. Quizás la mejor parte de la película si al montaje nos referimos es el momento en el que se exponen al mismo tiempo las expectativas de Tom con Summer y lo que en realidad pasa. Ahí nos damos cuenta que lo idealizado nunca se cumple como desearíamos.

Y para rematar he de decir que la banda sonora de la película es estupenda, contamos con clásicos de The Smiths o The Pixies, e inlcluso alguna canción cantada por la propia Zooe Deschanel. Los que aún no hayais visto esta película os recomiendo que un domingo os sentéis en el sofá y disfruteís de esta historia de amor y desamor que no tiene desperdicio.

LA FOTOGRAFIA POST MORTEM: LA FORMA DE LLEVARTE DE TUS SERES QUERIDOS... ¿UN BONITO RECUERDO?

Acaba de pasar la noche de Halloween, la única noche en las que se abren las puertas para contactar con nuestros seres queridos ya fallecidos. Aunque muchos piensan que Halloween es un invento de los yankis, lo cierto es que Halloween es una tradición de la cultura celta.

Una vez más por estas fechas tan terrorificas volvere a tratar un tema tétrico, si el año pasado por Halloween traté el tema del genero de zombies en el cine, este año tratare el tema de la fotografía post mortem. Es un tema que llevaba tiempo queriendo tocar, y que nunca veía el momento adecuado. ¿Os acordáis de la película "Los otros" de Alejandro Amenabar? en ella se trataba un poco el tema de este genero fotográfico. 

Aunque nos parezca tétrico o morboso, la fotografía post mortem era una practica muy común en el siglo XIX. En aquella época realizar había el número de fallecimientos que de naciemientos. La gran mayoría de los fallecidos eran niños, que morían a causa de la viruela y la fiebre amarilla. Otra gran mayoría de los fallecidos eran mujeres, que morían en el parto. Así que en aquella época la muerte era entendida como algo normal y en ocasiones como un privilegio. También hay que tener en cuenta que en el siglo XIX hacerse una fotografía te costaba el sueldo de toda una semana trabajando, por lo tanto era un privilegio que pocos podían permitirse. 

Cuando un familiar fallecía se le hacía y los familiares podían costear los costes se le hacía una ultima fotografía de recuerdo, en muchas ocasiones jamas antes se le había hecho una. Normalmente se le fotografiaba tumbado en una cama o metido en un ataúd pero en otras ocasiones se le vestía y se le sentaba en una silla simulando que estaba vivo, en ocasiones solo y otras ocasiones rodeado de sus familiares vivos. Y si el fallecido era un niño o una niña a veces se le sentaba en una silla llevando puesto su mejor vestido y se le rodeaba de muñecas.

El hecho de retratar a las personas fallecidas no es original del siglo XIX, ya que en la época del Renacimiento ya se retrataban a los fallecidos por medio de la pintura, donde a menudo se retrataba al fallecido entre motivos religiosos. Esta técnica era llamada Memento Mori.

En el caso de la fotografía post mortem el propio fotógrafo era el encargado posicionar al fallecido a su gusto, vestirle, maquillarle y disponer de la decoración que creyese apropiada. Muchos de estos fotógrafos se convirtieron en auténticos expertos, pero muchos otros fueron un desastre.

Cuando una persona fallecía sus familiares llamaban al fotógrafo, que normalmente se encontraba a kilómetros de distancia, y este tenía que ir rápidamente antes de que la persona fallecida empezase a descomponerse, y estas prisas tenían un coste extra. En muchas ocasiones el fotógrafo no llegaba a tiempo y se tomaba la fotografía con signos de principio de estado de descomposición.

Como ya os he comentado anteriormente el propio fotógrafo tenia absoluta libertad de posicionar el cadáver como creyese oportuno. En muchas ocasiones hacía que el fallecido apareciese con los ojos abiertos para dar una mayor sensación de vida. Para abrirle los ojos se ayudaba de una cucharilla de café y con los dedos direccionaba los ojos. Al principio no se ponían adornos en las fotografías y la cámara se posicionaba a la altura de los ojos, pero con el paso de los años se fueron poniendo flores y otros adornos y los planos fueron picados y contrapicados.

En ocasiones el fotógrafo no conseguía el efecto adecuado en la fotografía, asi que posteriormente sobre la fotografía ya impresa le pintaba coloretes al difunto o hacía el retoque que creyese oportuno.

La fotografía post mortem estuvo muy extendida hasta mediados del siglo XX, ya que por esas fechas aparecieron las maquinas fotográficas modernas y ya era mas viable el hecho de retratar a una persona en vida y no muerta, y claro, retratarlo en vida siempre resulta menos morboso.

Actualmente se siguen realizando fotografías post mortem aunque en menos medida. Principalmente actualmente lo hacen la prensa escrita cuando muere algún personaje ilustre o alguna persona famosa. En España unas de las ultimas fotografías post mortem que se recuerdan son las del dictador  Francisco Franco, la del Papa Juan Pablo II y la del dirigente comunista Santiago Carrillo.

EL DIA QUE EDISON INVENTO HOLLYWOOD POR CASUALIDAD

A estas alturas pocos son los que no saben quien fue Thomas Edison, inventor y poseedor de un gran numero de patentes, algunas merecidas y otras muchas robadas, porque si, Edison fue un experto ladrón de inventos, y es que en muchas ocasiones Edison patentó como suyos inventos que habían sido creados por otras personas, obviamente sin el permiso del autentico inventor. Podríamos decir que Edison era el tipo de amigo que jamas nos gustaría tener cerca.

Aunque en el colegio siempre nos enseñaron que Edison inventó la bombilla (lampara incandescente), siento deciros que no es del todo cierto, una vez mas Edison se llevó los méritos de algo que no era suyo, y es que la bombilla fue inventada por Humpry Davy y perfeccionada por Warren de la Rue, pero Edison hizo un ligero cambio y lo registro como suyo el invento. Por su forma de ser Edison era odiado por un gran numero de personas.

Cuando en 1894 los hermanos Lumière patentaron el cinematógrafo, Edison se interesó en adquirir los permisos de explotación, ya anteriormente Edison habia patentado el Kinetoscopio, inventado por William Kennedy Dickson (si, una vez más Edison había robado el invento de otro y lo había patentado como suyo). Finalmente Edison adquirió los derechos de explotación del invento de los hermanos Lumière y en su  afán de recaudar dinero a toda costa decidió imponer una elevada tasa a todas las productoras que adquirieran una licencia de explotación del cine y que se fueran creando en Nueva York y Nueva Jersey. Cuando alguna productora se negaba a pagar este impuesto abusivo, Edison enviaba a un matón a la casa del productor para que le hiciese "recapacitar y cambiar de opinión".

Al verse ahogados por las tasas abusivas impuestas por Edison muchos productores decidieron huir e instalarse en territorio fuera del alcance de Edison, la gran mayoría se repartió por toda la costa oeste de Estados Unidos, albergando la ciudad de Los Angeles una gran mayoría de estos, y es que Los Angeles por aquel entonces estaba en plena expansión y poseía de todas las comodidades y de todo lo necesario para poder crear estudios cinematográficos, y a todo esto hay que añadirle que alli los terrenos eran bastante asequibles.

Uno de los primeros en montar su estudio cinematográfico allí fue Carl Laemmle que creó la productora "Yankee Film Company", la cual cinco años mas tarde paso a llamarse "Universal City" y finalmente paso a llamarse "Universal Studios", la cual todos conocemos.

El éxito de la industria del cine en la ciudad de Los Angeles hizo que se construyesen numerosas urbanizaciones cada vez mas al norte de dicha ciudad, y un avispado promotor inmobiliario llamado H.J. Whitley colocase en 1923 en lo alto de la colina donde poseía unos terrenos en venta unas letras que formaban la palabra Hollywoodland. Con el tiempo la terminación "land" desapareció y quedo lo que hoy todos conocemos como Hollywood.

VACACIONES EN ROMA, LA PRINCESA HACE TURISMO

Este verano me marché unos días a Roma, maravillosa ciudad de la que he vuelto enamorado, y yo paseando por sus calles me imaginaba día a día que era Gregory Peck junto a Audrey Hepburn, pero desgraciadamente pronto volví a la realidad y vuelvo a ser yo, un loco enamorado del denominado como séptimo arte, alguien que daría su vida entera por el cine.

Como no podía ser de otra manera, hoy hablaremos de "Vacaciones en Roma" (1953) de William Wyler. He de reconocer, que el día que vi esta película al principio me resultó tremendamente aburrida, veía que la película pasaba y no ocurría absolutamente nada, pero cuando acabó definitivamente me dí cuenta de que acaba de ver una de mis películas favoritas. Y es que en su conjunto la película es una maravilla, lo mires como lo mires.

"Vacaciones en Roma"  (en Hispanoamérica fué llamada "La princesa que quería vivir") fué estrenada en 1953. William Wyler llevo al celuloide el guión de Dalton Trumbo, el cual tuvo que firmar con el sobrenombre de Ian McLellan Hunter para que nadie le reconociese, ya que estaba perseguido por la famosa caza de brujas de la Comisión de Actividades Antiamericanas.

Aunque fue nominada a 10 premios Oscars, solo ganó 3, a la mejor actriz principal (una jovencísima y hasta entonces desconocida Audrey Hepburn), a la mejor narración para el cine y al mejor vestuario, lastima que Eddie Albert, nominado como mejor actor de reparto no consiguiese la estatuilla.

En un principio la película iba a ser dirigida por Frank Capra (el hombre que quedó sin parte del pene por culpa de una circuncisión mal hecha y que ademas sufría de eyaculación precoz, aunque de eso ya os hablare otro día). Capra quería como protagonistas a Cary Grant y Elizabeth Taylor, pero Cary Grant rechazó el papel porque opinaba que se daba demasiado protagonismo al papel de la princesa y no al suyo (¡¡jodido prepotente!!). Por su parte Capra también rechazo dirigir la película al enterarse de que el Guión era de Dalton Trumbo, recordemos que Capra era un autentico defensor de la Comisión de Actividades Antiamericanas. Finalmente Willy Wiler decide dirigirla, y decide que el papel protagonista masculino lo interpretaría Gregory Peck (aunque en un principio pensó en Jean Simmons para este papel). Lo que no tenia tan claro Wiler es quién interpretaría el papel de princesa, pero una desconocida Audrey Hepburn impresionó tanto a Wilder en el casting (Wiler dejó la cámara encendida sin que Herpburn lo supiese, así de esta manera su reacción antes las preguntas de Wiler fueron mas naturales y espontaneas) que sin pensarlo dos veces daría dicho a papel a esta joven actriz. Pero Herpburn no solo impresionó a Wiler, sino tambien a Gregory Peck, que tras quedar impresionado por su manera de interpretar su papel, exigió no solo que Herpburn cobrase lo mismo que él, sino que ademas apareciese en los créditos finales, lo cual no estaba previsto que ocurriese al ser Herpburn un papel secundario. Gregory Peck dijo al terminar el rodaje que Hepburn ganaría un Oscar por su interpretación, y no se equivocó. 

"Vacaciones en Roma" fué la primera película rodada en su totalidad en exteriores, ya que Wiler se negó a rodar en estudios como era la costumbre de la época. Wiler quería que la misma Roma fuese una protagonista más de la película.

En la secuencia de la Bocca della verita (boca de la verdad), Gregory Peck decide saltarse el guion e improvisar una broma en la que al meter su mano en la boca esta desaparecía. Hepburn no sabía nada y se asustó, y a Wiler le gustó tanto la reacción sincera de Hepburn que no dudó en meterla en el montaje final.

Para acabar os diré que el fallecido presidente Estadounidense John F. Kennedy dijo a un periodista que "Vacaciones en Roma" era su película favorita de todas las que había visto a lo largo de su vida, y Audrey Hepburn su actriz favorita.

ENNIO MORRICONE: EL DIOS DE LA MUSICA EN EL CINE

¿Que decir de este genio? solo puedo decir elogios hacia este hombre, creador de la banda sonora de la mayoría de mi vida, y es si a casa momento o experiencia que he vivido tuviese una banda sonora esa habría sido compuesta por él.

Ennio Morricone nació en Roma el 10 de Noviembre de 1928. Se graduó en trompeta en el Conservatorio Santa Cecilia, donde ademas también estudió música coral y dirección de coros. Conoció al futuro director de cine Sergio Leone en el colegio, el cual cuando años después se reencontraron no recordaba haber conocido a Morricone anteriormente, y hasta que no vio una foto antigua en la que aparecían los dos no se lo acabo de creer. Morricone colaboró en las películas de Leone hasta el final de la vida de este ultimo, destacando las bandas sonoras que hizo para las películas "La muerte tenía un precio", ·El bueno, el feo y el malo", "Hasta que llegó su hora" y "Por un puñado de dolares".

Aunque la gran mayoria de las bandas sonoras de Morricone donde aparecen silbidos eran hechos por Alessandro Alessandroni, cabe destacar que los silbidos de la banda sonora de "El bueno, el feo y el malo" y de "La muerte tenía un precio" eran hechos por el español Curro Savoy, aunque realmente existe mucha confusión ya que no esta claro si realmente los hizo él o el propio Alessandroni.

Morricone es un gran enamorado de su ciudad natal, Roma, y esta premió al artista con el premio de "ciudadano de honor".

Pero Ennio Morricone no es solo un exquisito compositor musical, sino que tambien es poeta y un estupendo jugador de ajedrez.

Aqui en España colaboró con Pedro Almodobar componiendo parte de la banda sonora de "Atame!". Aunque si soy sincero, si tengo que elegir una de sus bandas sonoras yo me quedo con la de "Cinema Paradiso", y luego con la banda sonora de "La misión".

Para terminar diré Morricone ha compuesto más de 500 obras y cuenta con 33 premios, siendo destacable el premio Oscar recibido en el año 2006 por toda su trayectoria profesional

30 AÑOS CRECIENDO CON E.T.

Se cumplen 30 años del estreno de "E.T"., posiblemente una de las grandes obras maestras de Spilberg. Yo aun recuerdo siendo pequeño como mi madre trajo una cinta de VHS que le había prestado una compañera de trabajo y nos la puso a mi hermano y a mi. Era la película de E.T. Yo miraba ilusionado mientras me enamoraba de la historia para acabar llorando al final de ella, porque si, no me avergüenzo de ello, yo si lloro cuando alguna película me emociona.

E.T. nació inspirado en un amigo imaginario que creó Spilberg siendo un niño para combatir el trauma que suponía para él el divorcio de sus padres. La película fue nominada a 9 premios Oscars, consiguiendo finalmente 4 de ellos, entre los que se encontraban el Oscar a los mejores efectos visuales y el Oscar a la mejor banda sonora, a cargo del genio de John Williams.

Inicialmente la película de E.T. iba a ser una película de terror, pero Spilberg decidió dar un giro de 180 grados y transformar la historia en una historia infantil. Al transformar a E.T. en un ser tierno Spilberg se quedó con la espina de rodar una historia de terror, asi que mientras rodaba E.T. también rodó "Poltergeist", que aunque no estaba dirigida por Spilberg si que estaba producida por él.

Para dar mas credibilidad a la relación de E.T. y los niños Spilberg decidió rodar una gran mayoría de los planos situando la cámara a la altura de los ojos de los niños. El resultado de complicidad fue perfecto.

El muñeco de E.T. estaba manejado por un equipo de expertos titiriteros, pero también en ciertas ocasiones era manejado por un actor enano (Pat Billon) y por un niño de 10 años que nació sin piernas pero que había desarrollado una gran habilidad para andar apoyando las manos en los suelos (Matthew de Merrit). Por cierto, Pat Billon murió pocas semanas después de rodar la película.

Como curiosidad os puedo decir que en esta película Spilberg no usó storyboard, es mas, desde entonces nunca ha usado storyboards para sus películas excepto en ocasiones especiales.

Para terminar os diré que E.T. cuenta con la desgracia de tener el peor videojuego de toda la historia, Atari invirtió tanta cantidad de dinero en la creación del juego y que finalmente apenas se vendieron copias de ellas, que finalmente Atari decidió enterrar todas las copias no vendidas en fosas bajo toneladas de tierra. Nunca más han hablado de este fracaso.

CUMPLIMOS 1 AÑO!!

El viernes 3 de Junio de 2011 publiqué el primer articulo en este blog sin tener demasiadas esperanzas del éxito de mismo, pensaba que nadie leería lo que yo escribiría, me equivoqué. Hoy, justo un año después puedo decir que gracias a vosotros sigo teniendo fuerzas e ilusión se seguir escribiendo y aportando humildemente los pocos conocimientos que sé de cine, televisión y fotografía. Hasta el día de hoy son mas de 25 países los que leen este blog, especialmente desde Latinoamerica.

Quizá porque el morbo siempre nos atrae a todos, que le vamos a hacer, el único articulo en el que puse fotografías realmente desagradables y mortuorias y que advertí con un letrero en grande y rojo del contenido del articulo no fuese que hiriese la sensibilidad de mas de uno, curiosamente ese articulo ha sido el mas leído durante todo este año, hablamos del articulo que dediqué a Elisabeth Short (http://eldiafragmainvisible.blogspot.com.es/2011/09/elisabeth-short-la-cruel-muerte-de-la.html), seguido por el articulo que dediqué a la película "El mago de Oz" (http://eldiafragmainvisible.blogspot.com.es/2011/11/el-mago-de-oz-parte-i-la-pelicula.html). Otros artículos no han corrido mejor suerte.

En este año también hemos cambiado la apariencia del blog, hemos estrenado un logotipo... nada es igual a como era el primer día, como podéis apreciar en la fotografía que encabeza este articulo.

También estrenamos hace un año un espacio para exponer fotografías (La luna de cristal), que con el tiempo acabamos descartando hasta hacerlo inactivo, pusimos en pie un espacio para ver cortometrajes y películas de cine mudo, el cual sigue en funcionamiento. Y hay en proyecto unas cuantas mejoras para un futuro.

Bueno, no quiero entretenerme mas ni aburriros, solo os quiero dar las gracias por ser fieles día a día al blog.

FELIZ CUMPLEAÑOS, MARILYN

Marilyn Monroe cumpliría hoy 86 años, y quien sabe si de no haber muerto trágicamente en 1962 a día de hoy seguiría viva. He de reconocer que tengo clavada la espina de no haber visto la película "Mi semana con Marilyn", pero bueno, algún día la veré. Yo no soy quien para juzgar el talento de Marilyn, pero quizás en ella brillaba mas la belleza que el talento, y es que hay artistas que son magnificados o sobrevalorados debido a algún aspecto de su vida que por su propio talento, ¿O realmente pensáis que Federico García Lorca sería tan conocido a día de hoy si no hubiese sido fusilado por su homosexualidad? y ojo que no niego el talento de Lorca, pero creo que si no hubiese sido fusilado sus poemas no serían tan valorados en la actualidad. Pues algo parecido pasó con Marilyn.

La causa real de su muerte aún sigue siendo un misterio, muchos sostienen que fue asesinada por orden de John y Robert Kennedy porque quizás ponían en peligro la carrera política de ambos, otros afirman que mientras Marilyn estaba inconsciente su ama de llaves le suministró barbitúricos por vía anal hasta causar su muerte, y otros como el doctor Noguchi, el cual se encargó de la autopsia de Marilyn, apuntan a un suicidio en su libro "Cadáveres exquisitos", el cual recomiendo leer. Fuese cual fuese la causa de su muerte, Marilyn nos dejó con 36 años y toda una carrera por delante.

Marilyn Monroe, que en realidad se llamaba Norma Jeane Mortenson, comenzó como modelo fotográfica y pronto se dió cuenta del potencial que tenía ella misma cuando se ponía delante de una cámara, y aunque las cosas al principio no fueron fáciles, pronto su fama subió como la espuma.

Empezó con 20 años a hacer pequeños papeles en películas de bajo presupuesto y no alcanzó su fama hasta  que protagonizara el musical "Los caballeros las prefieren rubias" (1953) y apareciera en el número inagural de la revista Playboy.

Su trabajo mas importante fue con la interpretación que hizo en "Some like it hot" (1959), en España conocida como "Con faldas y a lo loco" y en Latinoamerica conocida como "Una eva y dos adanes", dirigida por Willy Wilder y que la interpretación de Marilyn Monroe en ella le valió un Globo de Oro.

Mientras que su carrera profesional siempre estuvo marcada por un continuo ascenso, en lo que a su vida personal se refiere siempre estuvo marcada por continuos altibajos. El final ya todos lo conocemos. De no haber ocurrido lo que ocurrió... ¿Quién sabe si Marilyn Monroe estaría hoy viva?

NOS VAMOS DE FACEBOOK

Nos vamos de Facebook, ahora todo lo que ocurre por aqui será informado en nuestra nueva cuenta de twitter  www.twitter.com/twit_invisible Apúntate antes del 1 de Junio.

UN, DOS, TRES, CUARENTA... RESPONDA OTRA VEZ

El pasado 24 de abril se cumplieron 40 años del estreno de "Un, dos, tres... responda otra vez". Para mi quizás haya sido de los mejores concursos que han existido en la historia de la televisión, y al menos a un servidor le mantuvo enganchado frente al televisor semana tras semana (excepto la ultima temporada que la presento Larrodera). Recuerdo como mis padres se marchaban a cenar a algún restaurante y antes de marcharse tanto a mi hermano como a mi nos mentían en la cama para que nos durmiéramos, y según se marchaban, Elena que era la mujer que cuidaba de nosotros y vivía en nuestra propia casa nos levantaba de la cama a escondidas para ver este maravilloso concurso, era nuestro secreto, un pacto que hicimos mi hermano y yo con ella, asi pasaron los años y aún a día de hoy mis padres desconocen este episodio de mi vida.

Lo mas triste es que TVE no ha tenido la decencia ni la vergüenza de hacer un especial de aniversario, cualquier canal de televisión que se precie hubiese hecho un especial con refritos, lo hubiesen anunciado a bombo y platillo, pero no, TVE fueron tan cutres que o bien se les olvidó (cosa que dudo) o bien no supieron homenajear el talento de Ibañez Serrador. Esto solo puede significar una cosa, que cada día estoy mas convencido que la televisión actual es una verdadera mierda, y lo digo así de claro, es una mierda.

En 1972, año en el que se estreno "Un, dos, tres... responda otra vez" en la televisión española solo existían tres formatos de concursos, los de preguntas y respuestas, los de pruebas y habilidades físicas, y los de carácter psicológico. Recordemos que aquí en España solo existían dos canales de televisión, la 1 y la 2. El genio de Chicho Ibañez Serrador hizo algo que hasta la fecha a nadie se le había ocurrido, y fue mezclar esos tres formatos en uno solo. Pero en realidad el formato de "Un, dos, tres... responda otra vez" no era original de Chicho, sino que en realidad era una adaptación del programa "Un, dos.. Nescafé" emitido en la televisión argentina y del cual Chicho había sido realizador. Aunque el formato de "Un, dos, tres... responda otra vez" no era del todo original si que lo fue por ejemplo el incluir una eliminatoria al final del programa, incluir unos gags de humor a cargo de distintos humoristas e incluir una parte negativa y una parte positiva al programa, la parte de negativa la representaban unos personajes que evitaban a toda costa que los concursantes ganases importantes sumas de dinero y se alegraban cuando estos perdían las distintas pruebas del concurso. La parte positiva eran representadas por las bellas azafatas del concurso.

En 2004 fue su ultima temporada, presentada por Luis Larrodera, y aunque Larrodera hizo todo el esfuerzo posible para sacar el concurso adelante, no tuvo el éxito esperado. Quizás para entonces la televisión habia cambiado tanto que ya un concurso así no nos sorprendió ni nos mantuvo tan enganchados a la pantalla de la televisión como antaño.

Como dato curioso os diré que el grupo musical infantil Enrique y Ana anunció su separación en este programa en el programa especial de navidad de 1983. Aquí os dejo el vídeo donde nos decían adios.

"LOS IDUS DE MARZO": INDIGNAOS

Al ciudadano desencantado que deambula por las calles actualmente le gusta poder echar mano de argumentos que ayuden a explicar su malestar hacia el estado de las cosas. La sociedad se encuentra en un círculo de crispación y escepticismo cada vez mayor, y todos parecemos estar de acuerdo en que el mundo en el que vivimos no es el más propicio ni el más justo.

   El reflejo de cada sociedad, aunque nos duela reconocerlo, es el que proyecta la clase política de turno que, como toda organización regida por la mano del hombre, acaba viendo su esencia corrompida. Los intereses particulares de esta elite democráticamente elegida se imponen en su asumida potestad de actuar según le convenga como grupo de elegidos, por encima de quienes les han aupado al poder.

   ¿Puede haber algo más opaco, controvertido y desengañado que una legislatura de cuatro años? Sí, la campaña electoral que concluye con la victoria del partido futuro gobernante. Cuando las espadas están en alto, las partes implicadas establecen sus propias reglas del juego dejando a la moral y la legalidad muy mal paradas.

   Esta idea es la base que impulsó a George Clooney, cineasta comprometido como pocos para con su deber cívico, a adaptar la obra Farragut North, de Beau Willimon. El director descubrió este texto hace unos años, pero la coincidencia de las elecciones americanas de 2008 (en las que venció Barack Obama) le movió a esperar un tiempo prudencial para llevarlo a la gran pantalla. Ese momento llegó el año pasado, y el público ha podido disfrutar ya, y estremecerse al mismo tiempo, con este inquietante canto a los entresijos del poder.

   Los idus de marzo nos presenta a un joven idealista (Ryan Gosling) que empieza a trabajar como director de comunicación en la campaña de un prometedor candidato (el propio Clooney) que se presenta a las elecciones primarias del Partido Demócrata en el estado de Ohio, el cual suele ser clave a la hora de dilucidar al candidato definitivo en la lucha por la Casa Blanca.

   Durante la campaña, el personaje de Gosling irá conociendo a todos los participantes en ese juego por la supremacía proporcionalmente unido a la degradación del contrincante. Su involucración tendrá un carácter irremisible, y sus valores e ideas primitivas sobre la intachable imagen de la política se verán totalmente comprometidos.

   En su cuarto filme como actor-director (tras debutar en 2002 con Confesiones de una mente peligrosa), George Clooney retoma los temas graves, de trasfondo crítico y de denuncia social apuntados en Buenas noches, y buena suerte, aunque esta vez ambienta la historia en nuestros días para constatar que el juego sucio del poder no ha desaparecido en pleno siglo XXI ni tiene visos de extinción.

   La película habla de lo que hay detrás de la democracia, de un sistema dirigido y ejecutado por personas sin escrúpulos y del estercolero en el que se manejan. Moviéndose en su segundo plano durante el metraje, el aspirante demócrata es la viva imagen del político idealizado, de sonrisa permanente y principios insobornables ante la opinión pública. Él es la cara visible de un partido que trabaja en la sombra con la avidez de atraer los votos del electorado, el cual queda reducido a una masa manipulada e influenciable.

   Esta historia evidencia que nadie que participe de forma interesada en este juego está libre de pecado. La certeza de que hasta el más incorruptible tiene sus secretos y que los tentáculos de la codicia, la fama y el ansia de poder pueden alcanzar a cualquier ciudadano, volteando sus ideales, queda ejemplarmente expuesta en el filme y resulta abrumadora.

   Los idus de marzo pertenece a ese tipo de cine comprometido propio de los años 70, filmes ajustados a la realidad del momento, crónicas cuasi periodísticas de las corruptelas de los poderosos y que se limitan a ofrecer los hechos sin aventurar respuestas. Seguramente porque no hay nadie capaz de apuntar soluciones o alternativas a un sistema que se nos ha impuesto como ideal, en el que la toma de decisión del ciudadano cuenta mucho menos de lo que desearíamos.

   La puesta en escena de una historia con este trasfondo resulta compleja y muy delicada, por lo que hay que alabar la audacia de Clooney para desarrollar este proyecto cuya financiación ha sido muy difícil de encontrar. Su intención es mandar un mensaje al espectador, haciendo que reflexione y tome parte de lo que se le cuenta. Y a fe que lo consigue, pues la trama resulta en todo momento interesante y la mayoría de personajes muy sólidos.

   El nominado al Oscar por Los descendientes demuestra inteligencia en la confección del reparto y se rodea de grandes nombres. Ryan Gosling, que desde Drive se empeña en hacer de la economía de gestos su bandera interpretativa, construye una performance muy acertada en su rol de conductor de la narración. Y en el papel de los directores de campaña en ambos bandos demócratas encontramos a dos intérpretes de lujo como son Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti.

   Cabe achacarle al director que haga uso de algunos lugares comunes, principalmente el que desata la trama y origina las dudas del personaje protagonista. Además, ciertos personajes secundarios quedan desdibujados, algo que ya sucedía en Buenas noches, y buena suerte. En este caso ocurre con el apartado femenino, donde tanto Evan Rachel Wood (la becaria en la campaña de Clooney) como Marisa Tomei (en su rol de periodista) tienen poco peso y pedían más detenimiento en su desarrollo de guión.

   El nombre de George Clooney ha adquirido en los últimos años, por derecho propio, la marca distintiva del mejor cine americano gracias a proyectos que no buscan sólo entretener, sino transmitir la amargura del presente a la audiencia en busca de una movilización, de una respuesta emocional. Como él mismo ha reconocido recientemente, su deseo es ir dejando la interpretación en pos de la dirección, pues “resulta mucho más estimulante ser el pintor que la pintura”, afirma.

   Su figura me recuerda cada vez más a la del Clint Eastwood. Intérpretes solventes que debutan tras la cámara (curiosamente, ambos con 41 años) y que adoptan un estilo fílmico puramente clásico, de narraciones lineales y con trasfondo amargo.

   Habrá que seguir pues muy atentos a todo lo que Clooney nos pueda ofrecer. Por el momento, su huella como cineasta se consolida y campea por Hollywood incorruptiblemente.

40 AÑOS DE CABARET... MONEY, MONEY, MONEY!!!

Se cumplen 40 años del estreno de la película Cabaret. He de decir que a mi este musical cuando lo vi hace muchos años en el teatro me impresionó, y la película no me defraudo en absoluto. Estamos ante mi musical favorito y detras quedan otros musicales tambien maravillosos como El violinista sobre el tejado, o West side story.

La versión cinematográfica del musical Cabaret fue dirigida por Bob Fosse, y protagonizada por Liza Minelli, Michael York y Joel Grey. La película estaba basada en la obra musical llevada sobre las tablas de Brodway con el mismo nombre, Cabaret, y esta a su vez estaba basada en la novela de Christopher Isherwood titulada Adiós a Berlín.

Para quienes no lo sepan, la actriz protagonista de Cabaret, Liza Minelli, es hija del director de cine Vicente Minelli y de la actriz y cantante Judy Garland (Oh Judy Garland, una de mis actrices favoritas, figura del glamour e inocencia que acabo siendo un juguete roto victima de sus fantasmas), que todos recordaremos por su papel de Dorothy en la fantástica película de El mago de Oz, de la cual ya hablamos el pasado 22 de Noviembre de 2011, y que prometí un segundo articulo sobre la película que aún no he escrito (http://eldiafragmainvisible.blogspot.com.es/2011/11/el-mago-de-oz-parte-i-la-pelicula.html).

La película Cabaret se estrenó quizás en el que muchos dirían que era el peor momento, cuando los musicales estaban ya en horas bajas, y milagrosamente gracias a esta película los musicales volvieron a ponerse de moda.

Liza Minelli dio vida a Sally Bowles, una bailarina de un cabaret del Berlín de los años 30, y aunque en un principio este papel lo iba a interpretar Julie Andrews (que todos recordamos por su papel de Mary Poppins), pero esta rechazó finalmente interpretar el papel ya que ella era la estrella infantil mas grande de ese momento. Como dato curioso y que quizás muchos desconozcais, la propia Liza Minelli junto a su padre diseñaron el peinado y el maquillaje del personaje de Sally. Otro dato curioso es que Bob Fosse, director de la película, al ser a su vez un afamado coreógrafo, diseñó el mismo todos los bailes de la película.

Joel Grey ya había hecho el papel de Maestro de ceremonias en la versión teatral de Brodway, y por esa misma razón los productores de la película vieron en él el actor perfecto para la versión cinematográfica, asi que se lo impusieron al director Bob Fosse, diciéndole incluso "Si prescindes de Grey, nos veremos obligados a prescindir de ti". Obviamente Fosse accedió a que Grey interpretase el papel de Maestro de ceremonias.

Para terminar, comentaré que estuvo nominada a 10 Oscars, y que ganó 8 de ellos, cosa que sorprendió bastante porque la favorita era El Padrino (del cual también hablé en su momento, el 28 de Marzo de 2012, http://eldiafragmainvisible.blogspot.com.es/2012/03/40-anos-los-pies-de-vito-corleone-parte.html). Cabaret no se llevo el Oscar a la mejor película, que finalmente se lo llevo El padrino de Francis Ford Coppola, pero si se llevo los Oscars a mejor dirección, mejor actriz principal, mejor actor de reparto, mejor fotografía, mejor banda sonora, mejor montaje, mejor dirección artística y mejor sonido.

EL INSUMERGIBLE TITANIC

Oh el Titanic, cuanto sigue dando que hablar 100 años despues de su hundimiento. Para algunos esta fiebre del Titanic es solo una moda que en cuanto dejen de nombrarlo a todas horas en la televisión se olvidaran de ello, pero para otros, y he de confesar que yo me incluyo dentro del grupo de esos otros, el Titanic siempre le impresionó y atrapó muchos años antes de que se rodase la famosa película de James Cameron. El Titanic siempre ha tenido algo misterioso que a muchos de nosotros nos ha enganchado.

La noche del pasado Sabado al Domingo se cumplieron 100 años de su hundimiento, y coincidiendo con esta fecha, la famosa película de James Cameron estrenada ya en 1997 se ha reestrenado pero esta vez en 3D. Y sin hablar demasiado sobre el 3D, que en mi opinión es la gran cagada del cine (hablemos claro, no vamos a adornar las palabras para que no suenen mal, es una autentica cagada, pero sobre el 3D ya dedicare otro articulo), he de decir que la versión en 3D de Titanic es una basura. Apenas se llega a conseguir un autentico efecto de profundidad, demasiada publicidad para tan poca película, me sigo quedando con la versión 2D del año 1997.

Hoy os voy a contar unas cuantas curiosidades de la película de 1997 que a su vez también es la del 2012.

Cuando a Kate Winslet le dieron el papel de Rose, esta emocionada llamo a su amiga Emma Thompson y esta hizo prometer a Kate Winslet que no adelgazaria ni un solo gramo antes del rodaje, ya que si la habian elegido así por su físico así la querrían.

Kate Winslet insistió en que su compañero de reparto fuese Leonardo DiCaprio, ya que se había quedado impresionada de la interpretación de este en Romeo y Julieta.

La familia del primer oficial Murdoch demandó a la productora, ya que no existen datos suficientes que confirmen que Murdoch se suicidó en el barco tal y como aparece en la película de Cameron, finalmente la productora tuvo que indemnizar económicamente a la familia de este.

Las alfombras que aparecen en la película fueron hechas por la misma empresa que hizo la alfombras originales del Titanic, y el barco que aparece en la película también fue construido por la empresa original que construyó el Titanic.

En un principio el papel del capitan Smith lo iba interpretar Robert De Niro pero finalmente tuvo que rechazarlo por padecer una infección intestinal.

Toda la película se rodó con espejos para ahorrar dinero, y por ejemplo donde se ven cuatro escaleras en realidad solo había dos. Los carteles estaban impresos al revés para que así con los espejos apareciesen impresos de la forma correcta.

En un momento de la película Rose y Jack dan un paseo por la cubierta de primera clase, en ella hay un niño jugando con su padre a la peonza, esta imagen es exacta a una fotografía tomada en el Titanic y que aún se conserva.

Las secuencias de agua fueron rodadas en Rosarito, Baja California, Mexico.

Al final de la película, cuando Rose regresa al barco y Jack está esperandola en las escaleras, el reloj que aparece marca la hora exacta en la que se hundió el Titanic.

Durante el rodaje, James Cameron rompió con su pareja ya que este se lió con la actriz que hacia el papel de la nieta de la anciana Rose.

Otro dato curioso es que James Cameron se inyectaba una especie de anticongelante en las piernas para aguantar tantas horas de rodaje en el agua.

En el hundimiento, el hombre que cae del barco y rebota en un aspa de la hélice en realidad era un rollo de papel higiénico.

Los dibujos que hace Jack en realidad los hizo el propio James Cameron, y cuando aparecen unicamente las manos de Jack dibujando, en realidad no eran las manos de Leonardo Di Caprio sino las manos del propio Cameron.

La película tuvo muchisimos problemas de rodaje, tanto es así que hasta la misma mañana del estreno de la película aun esta se estaba montando.

En la película podemos ver como de las cuatro chimeneas sale humo cuando en el Titanic original solo funcionaban 3 de las 4, ya que la cuarta era destinada a la ventilación de la cocina y otras estancias del barco. En realidad no hay fallo alguna en la película ya que en realidad no sale humo de la cuarta chimenea, pero parece que si por el angulo de la cámara y el viento. Si nos fijamos bien en una vista aerea que se ve en un momento dado de la película, la cuarta chimenea es diferente a las otras tres, y mientras en la cuarta chimenea salía un humo blanco en las otras tres salía humo negro.

El equipo entero de rodaje se intoxico al comer una sopa en mal estado al principio del rodaje de la película.

La temperatura del agua en todo momento fue de 10 ºC y no pudo calentarse para que no se viese salir vapor.

La secuencia en la que Rose escupe a Carl a la cara necesito de 11 tomas.

Como anécdota final diré que la persona que aparece en la película quitándose los piojos de la barba en el muelle del puerto de Southamton es en realidad el propio James Cameron

70 AÑOS SIN QUE SAM DEJE DE TOCARLA

Aunque el titulo de este articulo pudiese parecer que vamos a hablar de algo pornográfico, no es así, hoy hablaremos de Casablanca, y es que se cumplen 70 años desde que se estrenó en Nueva York el 26 de Noviembre de 1942. Fue dirigida por Michael Curtiz y tuvo en los papeles protagonistas a Humphrey Bogart e Ingrid Bergman.

Casablanca esta considerada como la segunda mejor película de la historia cinematográfica americana y esta ambientada en la ciudad marroquí de Casablanca durante el gobierno de Vichy.

Como viene a ser costumbre, os contaré unos cuantos detalles curiosos de la película

Para empezar lo que muchos no sepan es que Casablanca nunca fue rodada en Casablanca, sino que fue rodada íntegramente en tierras norteamericanas, en Arizona y Los Angeles principalmente.

Casablanca fue nominada a 8 premios Oscars, consiguiendo finalmente 3.

Posiblemente uno de los detalles mas curiosos de la película es que no había un guión como tal el día que se empezó a rodar, sino que Curtiz iba escribiendo el guión día tras día en el set de rodaje a la vez que se iba rodando, de esta manera los propios actores no supieron cual iba a ser el final hasta pocas horas antes de rodarlo, ni siquiera la propia Bergman sabía como terminaria la película mientras estaba rodando la secuencia final de esta. Bueno todos los propios actores no conocieron el final hasta que llegó el momento excepto uno, el propio Bogart, ya que su contrato de gran estrella le daba el derecho a aprobar el guión.

Casablanca se rodó con la intención de ser simplemente una película bélica que promoviese el patriotismo estadounidense en plena Segunda Guerra Mundial, pero acabó convirtiéndose es una de las mejores películas románticas de la historia del cine.

La frase mas famosa de la película es la de "Tocala otra vez, Sam", pero quizás muchos no sepáis que en realidad dicha frase nunca, jamas fue dicha en la película, en realidad el personaje de Rick, interpretado por Bogart, solo dice  "Play it Sam", o lo que es lo mismo, "Tocala Sam", posiblemente el haber añadido "otra vez" a la frase sea por culpa del maravilloso Woody Allen, ya que este cuenta entre sus películas una con el titulo "Play it again, Sam" ("Tocala otra vez, Sam"), y de ahí posiblemente la confusión.

Para el rodaje de la secuencia final, la del avión, se usaron enanos para que pareciera que los personajes estaban lejos.

En la versión original, el capitan Renault dice a Rick que luchó contra los nacionales en la Guerra Civil Española, pero esto a Francisco Franco no le gusto en esceso, y mando censurarla, así que en la versión española el capitan Renault dice que luchó contra el Auchles Austriaco.

Un detalle cuanto menos curioso, es cuando vemos que Bergman pregunta a Bogart si participó en las Brigadas Internacionales de la Guerra Civil Española. Bogart contesta moviendo la cabeza de forma afirmativa, pero en la versión doblada al español, a la vez que Bogart hace el gesto afirmativo podemos escuchar como respuesta un "no".

Otra curiosidad es que Bogart media 1,60 y Bergman 1,80, y por cuestiones machistas de la época, el hecho de que el hombre fuese mas bajo que la mujer era impensable, así que siempre que había que rodar una secuencia en la que apareciesen Bergman y Bogart juntos, a Bogart se le colocaba una plataforma de palmo y medio de altura bajo sus pies.

El 3 de Agosto de 1942 fue oficialmente el ultimo día de rodaje de la película, pero tras terminar el rodaje  de esta, a un productor de la Warner se le ocurrió la idea de añadirle una frase más que originalmente no se había rodado, la famosa frase "Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship", que en la version doblada al español fue "Creo que esto puede ser el princpio de una gran amistad", a Curtiz no le gustaba la idea de introducirla, principalmente porque el rodaje de la película ya había terminado, pero dicho productor obligó a Curtiz a incluir dicha frase, asi que el 21 de Agosto de 1942, es decir, 19 días después de terminar el rodaje, Bogart es llamado para rodar la dichosa y posteriormente famosa frase.

La famosa canción "As time goes by" que aparece en la película, en realidad no fue compuesta para esta, sino que era una canción ya compuesta 10 años antes del rodaje de Casablanca.

Para terminar diré que la película cuenta con numerosos fallos de raccord, como por ejemplo cuando Rick abandona París en tren, donde tiene la gabardina empapada por la lluvia y según pone el pie en el tren la gabardina esta completamente seca. Michael Curtiz era consciente de todos estos fallos, pero decía "lo hago ir tan rapido que nadie se da cuenta".

40 AÑOS A LOS PIES DE VITO CORLEONE, PARTE I

Hacía tiempo que tenía ganas de hablar de esta fantástica trilogía, que en mi humilde opinión es la mejor trilogía que se ha hecho en el cine. Estamos de aniversario, El Padrino cumple 40 años desde que en 1972 se estrenase en los cines. Si aun no has visto cualquiera de las tres películas que forman parte de esta trilogía te recomiendo que las veas, si eres de las que ya las ha visto, te explicaré unos cuantos detalles curiosos.

La película fue rodada por un joven Coppola en tan solo 62 días, fue el plazo que le dió Paramount para rodarla, incluyendo viajes a Nueva York, Sicilia, Las Vegas... tanto estrés hizo que Coppola estuviese a punto de parar el rodaje a mitad de este y darlo todo por perdido. Ademas Paramount quería recrear la historia en la actualidad y no en los años 40 como describía la obra de Puzo, pero Coppola se negó por completo. La razon por la que Paramount quisiese hacer esto era para ahorrarse dinero. Pero si la falta de tiempo para el rodaje y la presión por ambientar la historia en la actualidad parecía poco, Paramount puso las cosas aún mas dificiles al joven Coppola, el cual al no tener apenas experiencia le fue bastante difícil conseguir que en el reparto de actores estuviese Marlon Brando, James Caan, Rober Duvall y Al Pacino y aun así Paramount hizo todo lo posible para que este ultimo no figurase en la película.

Finalmente El Padrino se estrenó y acabo con 6 nominaciones a los Oscars, de los cuales ganó 3.

Despues le seguirían dos secuelas más, y casi una cuarta.

El Padrino esta considerada como la tercera mejor película en la historia cinematográfica americana, por detrás de Ciudadano Kane y Casablanca.

Tras el exito de El Padrino, se propuso a Coppola hacer una segunda parte, pero este se negó rotundamente, siendo finalmente convencido por sus amigos. 

Si en la primera parte el guión lo escribieron conjuntamenete Puzo y Coppola, en esta ocasión escribieron por separado dos guiones, cada uno el suyo. Puzo escribió uno ambientado en los años 20, cuando Don Vito Corleone era aun un joven, y Coppola escribió uno ambientado en los años 50. Finalmente se unieron los dos guiones contando las dos historias.

Como era de esperar se le ofrecio de nuevo el papel principal a Marlon Brando, pero esté lo rechazo ya que pedía a Paramount mas dinero que el que le habían pagado por hacer la primera parte, y Paramount se lo negó. Tras esto se decidió que Brando no volvería a formar parte en ninguna de las secuelas.

Tras muchos quebraderos de cabeza finalmente se eligió como actor principal a un joven actor el cual se había presentado a los castings para el papel de Sonny en la primera parte de El Padrino. Si, estamos hablando de Robert De Niro.

Esta secuela tuvo 11 nominaciones a los premios Oscars ganando 6 de ellos.

Tras varios años y varios proyectos de exito, Coppola se quedó literalmente sin dinero, fue entonces cuando volvió a llamar a Mario Puzo y empezaron a trabajar en el guión de la que sería la tercera parte. En esta ocasión se contó con Andy García y con la hija del mismisimo Coppola, Sofia Coppola.

Sofia Coppola fue muy criticada por su interpretacion de Mary Corleone, papel que originalmente fue escrito para Winona Ryder. De Sofia Coppola se dijo que era una niña de papá y que su presencia en la película era por un simple acto de enchufe.

Ademas en esta película se mostraba a un Michael Corleone viejo y afable, razón por la que la gran mayoría de los espectadores criticaron la película y castigaron con un éxito menor que las anteriores pese a ser la que mas dinero recaudó.

Y si todo esto no fuese poco, esta tercera parte fue la mas cara de todas, se tuvo que pagar cierta cantidad de dinero a El Vaticano para poder rodar en él, y este acabo controlando brevemente Paramount Pictures.

En 1999 Puzo empezo a escribir el guión de una cuarta parte, que sería una replica a la segunda, se intercalarían historias, una del ascenso al poder de la familia Corleone y otra de la actualidad. Pero cuando todo estaba preparado para empezar a rodar con Leonardo Di Caprio como protagonista, Puzo enfermó del corazón y murió en su casa el 2 de Julio de 1999. Tras esto Coppola abandonó el proyecto y pese a que Paramount ha intentado en varias ocasiones hacer una cuarta parte incluso reescribiendo el guion y sin tener en cuenta nada de lo escrito para esta cuarta parte por Puzo, Coppola siempre se ha negado a rodarla.

"SHAME": EL SEXO SIN GLAMOUR

 

                                                    

Una mañana más, Brandon (Michael Fassbender) se despierta en su piso de Nueva York. Vive solo, bien entrado en la treintena. Mira al techo, reflexiona un momento. Se levanta. Está desnudo. Va al baño. Una extraña y sensual voz se insinúa en su contestador. El aludido no descuelga el teléfono.

   Brandon sale de casa. Coge el metro como todos los días. Se encamina hacia su oficina para seguir desempañando un trabajo del que se nos detalla poco, pero se nos sugiere mucho. Mientras las estaciones se suceden, ocupa el tiempo ojeando a sus compañeros de vagón.

   Acabamos de irrumpir en la vida de un ciudadano del siglo XXI. ¿Por qué una película con un comienzo, presuntamente, tan baladí iba a suscitar una reseña de este cariz?

   La cuestión es simple, en apariencia: Brandon es adicto al sexo. Su día nace, se desarrolla y muere en base a una dependencia que se ha tornado compulsiva. Ya hace tiempo que ésta trascendió el mero placer físico. Sus polvos y masturbaciones lo son todo para él, la base de su día a día. El vacío existencial que le carcome sólo puede ser ahuyentado temporalmente a través de la satisfacción corporal más elemental.

   Brandon se alivia en la ducha, en el trabajo, ve vídeos porno, emplea webcams, revistas… No duda en contratar prostitutas y en beneficiarse a las mujeres que quedan a su alcance. Su apetito debe ser saciado llegando a importar poco quién sea el utilizado.

   Hasta que un día entra en escena su hermana Sissy (Carey Mulligan), otro ser a la deriva pero, a diferencia de Brandon, inconformista y con deseos de tomar un nuevo rumbo. Cantante de cabaret ocasional, busca poner un poco de sentido en su vida empezando por el reencuentro con Brandon, al que hace mucho tiempo que no ve. Éste, no sin cierto recelo, permite que ella se aloje unos días en su piso, con las consecuencias que ello acarreará.

   De este modo, queda expuesta la premisa de “Shame”, un filme pequeño por su producción y repercusión mediática pero que, como representante de la cinematografía reciente, se eleva hasta cotas raramente transitadas. Y es que no recuerdo una película de los últimos años que nos haya bombardeado con verdades tan directas, expresadas con una elocuencia tan contundente y estremecedora.

   Nos encontramos ante un relato depresivo sobre el desencanto del presente. En el fondo, la dependencia hacia el sexo de su protagonista puede ser perfectamente traspolable a cualquier otra adicción reconocible de nuestros días: el juego, el tabaco, el alcohol, la televisión, Internet… Cualquier persona con necesidad de llenar su inconformismo cotidiano puede acabar colgado de una mal medida vía de escape a cuyo acceso tenemos todos y de una repercusión imparable.

   En este caso, nos ocupa un tema que sigue siendo tabú actualmente pese a que, desde la mayoría de los sectores, las referencias al sexo son constantes, directas o implícitas. Se nos suele ofrecer la cara más estilizada del acto cuando estamos ante un puro instrumento de poder y comercialidad explotado hasta la saciedad. Al mismo tiempo, se obvia la otra cara: su capacidad de enganche puede producir monstruos.

   La deshumanización ha crecido al mismo ritmo que el progreso tecnológico. El amor, los sentimientos, parecen más proscritos que nunca en las acciones personales. Brandon es la viva representación de eso. Como deja traslucir en una cita con una mujer interesada en él, es un ser solitario e incapaz de amar. Esta idea quedará reflejada de manera prístina en el siguiente encuentro entre ambos.

   El director londinense Steve McQueen, autor de “Hunger”, expone los hechos con una puesta en escena seca, cruda, acorde con la historia que maneja. Sus largos planos fijos obligan al espectador a enfrentarse a la realidad sin escapatoria alguna. Se nos invita a entrar sin llamar en las vidas de unos seres perdidos en una sociedad que los ignora.

   El trabajo del germano-irlandés Fassbender apabulla. Su plasmación de Brandon puede adjetivarse de muchas maneras por lo redondo y exacto que resulta su trabajo. A mí me gustaría destacar ante todo su valentía, su entrega, por desnudarse en pantalla de tal manera tanto por fuera como por dentro, sobre todo por dentro. Con una interpretación de esta categoría, el efecto de una película como “Shame” se multiplica, no sé si por dos, por cinco o por diez.

   Varios son los momentos, de un dramatismo intenso, que quedan alojados en la memoria en una de esas películas que, de verdad, fluye en nuestra cabeza tiempo después de haber abandonado la sala. Tales como la conversación cara a cara entre los hermanos en el sofá, donde las verdades más sinceras cortan el aire, o la conmovedora escena del salón en la que Sissy interpreta una versión despojada de cualquier glamour de “New York, New York” y ante la que Brandon no puede evitar emocionarse, aunque intente ocultarlo.

   Estamos ante una historia sin moralina, en contra de cualquier convencionalismo hollywoodiense ajeno a los dramas de la sociedad vigente y pródigo en pasatiempos aparatosos y fáciles de vender. Esta cinta atrevida y reflexiva, de aparente simplicidad, deja pocos resquicios a la esperanza.

   La vergüenza enunciada en el título nos llegará a cada uno en función de lo que, a título propio, nos sintamos peligrosamente identificados con el trasfondo de lo narrado en esta propuesta cinematográfica indispensable.

Jaime Soteras